No cabe duda de que Capcom es una de las compañías que ha trabajado su camino por una buena racha. La compañía nipona no solamente ha fortaleciendo sus estrategias, cambiando sus metodologías y entregando títulos que apelan a todos los gustos, rejuveneciendo muchas de sus franquicias más queridas y abonando a su catálogo con nueva propuesta.

Hace unos días acudí a su booth en PAX West 2025, mismo que durante todos los días del evento contó con filas llenas de fanáticos que esperaron desde temprano a ocupar un lugar para tener la oportunidad de jugar sus novedades: PRAGMATA, Onimusha: Way of the Sword y Resident Evil Requiem.

Yo pude acercarme a los tres títulos y me llevé un par de sorpresas agradables. Por su lado, ya pueden conocer mis primeras impresiones de Requiem en este enlace, pero hoy quiero compartir mi experiencia con el resto de los juegos.

PRAGMATA, entretenido a más no poder

Mi acercamiento con PRAGMATA fue al principio intimidante, pues no se trata de tu clásico título de ciencia-ficción acción, disparos y aventura. El gameplay de este título está enriquecido con un complemento al combate que aporta más reto al jugador, porque para superar a cada enemigo hay que pensar y resolver rápidamente.

Esta demostración que dura una sólida media hora primero nos introduce con nuestros protagonistas: Hugh Williams y Diana, una pequeña androide (o, mejor dicho, Pragmata) que decide ayudarle a escapar de la estación lunar (llamada The Cradle) en la que terminó varado luego de un incidente.

Al tomar el control de Hugh es posible notar que el gameplay es dócil y fácil de dominar, intuitivo. Entonces me encontré con mi primer enemigo, un Walker, que es, al menos en esta porción del juego, el enemigo de canasta básica más débil. Recordando los principios básicos de Resident Evil decidí no titubear y dispararle directo a la cabeza, no funcionó mucho. Probé la pierna, no funcionó tampoco.

Diana decidió entrar en acción y con ella, el interesante sistema de Hackeo en el combate. A partir de ese momento cada vez que un enemigo se presentaba en pantalla, y al apuntar con el arma, aparece un tablero en el que hay que resolver un puzzle lógico tipo Masyu (avanzar de un punto A a un punto B conectando otros puntos importantes en el camino, dentro de un grid).

Es sólo cuestión de acostumbrarse para que los puzzles, por sí solos, se vuelvan simples de resolver. La parte desafiante está en que la acción no frena mientras resolvemos y por ende es recomendable tener todos los ojos pegados en qué está sucediendo en el momento para esquivar oportunamente.

Hackeando el camino

Para superar el demo hay que navegar en una especie de cubo laberíntico con el propósito de hackear algunos dispositivos que desbloquean una puerta principal, cinco en total. La labor se vuelve divertida porque se siente más como un paseo en práctica del combate (que se va volviendo ligeramente más desafiante al paso que conocemos enemigos mayores), el uso de un par de armas distintas y también de las opciones de movilidad, ya que son variadas.

A pesar de que el aspecto inicial del mapa es, intencionalmente grande y pudiese parecer que nos perderemos fácilmente, en mi experiencia no fue así. Fue relativamente sencillo encontrar mi camino de regreso cuando daba un salto erróneo o no alcanzaba una plataforma específica con el propulsor, cayendo a otras plataformas.

Siempre existía un ascensor, pisos que se elevan u otros dispositivos para alcanzar de nuevo el camino al objetivo; también estos errores fueron útiles para encontrar una que otra cosa olvidada.

Es natural que al estar dominando el arte del combate en PRAGMATA, se reciba algo de daño; Hugh puede arreglar su traje con la ayuda de cartuchos de reparación, pero se tenía una capacidad muy limitada para llevarlos así que, como mencioné antes, lo mejor era activar los reflejos.

El demo no concluye al completar la misión principal, al contrario. Durante los últimos minutos de gameplay se debe aplicar absolutamente todo lo aprendido en una boss fight fácil de superar una vez que se aplican las herramientas correctas. El hackeo de Diana puede complementarse con nodos Decode que pueden encontrarse en el área, éstos son limitados pero tienen efectos diversos en los enemigos, como debilitar su nivel de defensa.

A su vez, se nos equipa con un arma tipo escopeta, denominada Shockwave Gun y con el Stasis Net, que paraliza a los enemigos dentro de su radio de alcance. Todo esto es más que suficiente para derrotar al enemigo y concluir con la aventura luego de enseñarle a Diana cómo hacer un hi5.

PRAGMATA aún no tiene una fecha de lanzamiento concreta, pero estará disponible en algún momento de 2026 en PlayStation 5 y PC. Este es un título que a pesar de habernos tenido con el alma en un hilo luego de no dejarse ver por un rato y más de un año de atraso, está sorprendiendo y sin duda creo que vale mucho echarle la pena, pues auguro que esta nueva IP de Capcom traerá varios desafíos y dolores de cabeza interesantes consigo.

El esperado retorno de Onimusha

Mi siguiente sesión de juego fue con Onimusha: Way of the Sword, título que desde su anuncio emocionó y levantó toda la expectativa porque representa el retorno de unas de las franquicias más queridas de Capcom, por primera vez boosteada con las capacidades del RE Engine.

Esta sesión de alrededor de 25 minutos me permitió tomar el control del protagonista Miyamoto Musashi (cuyo rostro, a modo de homenaje, está creado a semejanza del actor Toshiro Mifune) en un mapa primordialmente lineal que de forma intuitiva me invitó a desenvainar la espada y divertirme un rato con las posibilidades del combate.

Independientemente de que la esencia de Onimusha perdura en muchos sentidos; la modernización del control y la forma en la que cada movimiento fluye, especialmente en combates, es satisfactorio. Al principio es posible atacar a los enemigos con ataques simples, cortos o largos para ejercer más daño; es posible esquivar, bloquear ataques y con buen timing, realizar un parry para contraatacar rápidamente.

Aún dentro del concepto satisfactorio del combate, hay muchas maneras de sentirse un verdadero maestro que residen en pequeños detalles, como la finura (y crudeza) de los cortes que la espada hace en cada enemigo, que coinciden con la dirección del brazo de Musashi; la capacidad de bloquear ataques desde cualquier dirección (dicho de otro modo, es posible hacerlo elegantemente aunque se le esté dando la espalda a un enemigo); o hasta utilizar el parry en ciertos enemigos para reflejar su ataque en otros.

El combate puede ser tan satisfactorio como quieras

En ese sentido, el paseo por este Kioto sobrenatural puede consistir en ir experimentando y absorbiendo almas (útiles para curarnos o cargar habilidades especiales) por aquí y por allá o bien, seguir la línea hasta el objetivo que es relativamente simple de alcanzar, también existe la opción del sigilo que en muchos casos puede ser viable para obtener recursos extra (querrán hacerse de mucha sanación), y no meterse en tantos embrollos, o ¿por qué no? Aprovechar algunas herramientas en el escenario para, por ejemplo, embestir a un grupo de enemigos.

Infortunadamente yo dejé pasar esa última oportunidad, pues mi inspiración de combate me llevó a enfrentar a un grupo de enemigos justo antes de notar una carretilla disponible para rodar sobre ellos antes de que pudieran notar mi presencia, igual no me arrepiento.

El punto final de esta sesión también consiste en poner a prueba lo aprendido (o enseñar, quizás a la mala, lo que se dejó pasar) en una pelea más seria y, por así decirse, más justa; en esta pelea se presenta al rival Ganryu Sasaki.

La clave para derrotarlo reside en la paciencia: no siempre es recomendable acercarse y atacarlo porque puede castigar muy fácilmente cualquier movimiento torpe de nuestra parte, en mi caso fui derrotada por él y el error principal fue olvidarme completamente del timing y de encargarme de recoger las útiles almas que emanaban de Sasaki.

En posteriores intentos fui más paciente, consideré mis recursos y de esa manera es que me fue posible acertar mucho mejor y cuando en verdad comencé a sentir la recompensa en la precisión.

A pesar de la experiencia que gané en esta batalla, hubo algunas características que no alcancé a experimentar, como el Break Issen, que consiste en elegir el área del enemigo a atacar (con un botón específico, como triángulo o cuadrado, según esté marcado en pantalla), el criterio a elegir es la recompensa: si se elige la opción de color rojo, el ataque va a infligir más daño; si es la morada, adquiriremos más almas.

Onimusha: Way of the Sword estará disponible también el próximo año, en PlayStation 5, Xbox Series X y S, así como PC desde Steam.

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Más información: Capcom Presents @ PAX West 2025

El cargo El futuro cercano de Capcom trae algo para todos los gustos apareció primero en That Arklay Place.

Ahora que Capcom finalmente develó más de Resident Evil Requiem resulta muy natural que muchas puertas de discusión y análisis hoy estén desbloqueadas, ha habido mucho por hallar.

En este artículo pretendo enfocarme en una cadena de ideas que me persiguen desde el debut de esta entrega en junio pasado. Mucho tienen que ver con los paralelismos, y la manera en la que nuestra franquicia favorita ha profundizado más, poco a poco, con las emociones humanas y cómo lo hace a través de la tragedia y el dolor.

Así revisaremos otros elementos narrativos que ya estamos conociendo, como el gancho del juego: una pérdida.

La vida de una muy joven Grace Ashcroft cambia en segundos cuando es la única testigo del asesinato de su madre; ocho años después de cargar con el trauma y un duelo que no ha alcanzado la etapa de resignación, Grace es empujada profesionalmente al lugar que pareciera ser el único en donde podrá superar ese pasado.

¿Lisa Trevor? ¿Una mutación de Alyssa Ashcroft?

Previamente (en este artículo), alcé la posibilidad de que la mutante que persigue a Grace por los corredores del hospital posiblemente sea Lisa Trevor (cuya trágica historia pueden repasar aquí) y voy a ser sincera, no descartaba la posibilidad, porque si se le busca bien la viabilidad, existe.

El pensar en Lisa no es una cuestión traída meramente por el azar: el diseño, los movimientos erráticos, la voz (extraída de los audios originales de Lisa en 2002, y curiosamente otras enemigas en Resident Evil) y otros detalles, denotan un obvio homenaje que sí busca traernos esa idea a la mente. Pero esta semana finalmente la duda concluyó: Nakanishi explicó todo, dejando atrás esta idea.

Requiem no ha sido misterioso en cuanto a su propósito nostálgico y se adorna con homenajes que apelan a la memoria colectiva de los fans. En ese sentido, la tragedia de Lisa podría estar presente de manera simbólica, reinterpretada (o resignificada) en Alyssa y Grace.

Ambas historias parecen tener un paralelismo interesante, aunque con una resolución invertida: Lisa, en su soledad, navegó hasta encontrar los restos de su madre, Jessica, renunciando a sí misma luego de cumplir con el último propósito de su humanidad: despedirse de ella al constatar su muerte.

Grace pierde parte de su humanidad a facturas del trauma, evade la posibilidad de desmenuzar los porqués de su pérdida al ser incapaz de mirar más allá de lo que sus ojos alcanzan. Hasta que el destino, cíclico y a veces cruelmente justo, la obliga a enfrentar todo en la misma soledad forzada.

La cuestión personal ahora es una cuestión de trabajo

Y no cualquier trabajo. Grace no sólo tiene que tomar parte en una investigación importante para el FBI, ella tiene que arrastrar de lleno al escenario de su peor pesadilla: Wrenwood, el mismo hotel en donde su madre y un empleado fueron brutalmente asesinados es otra vez el epicentro de siniestros muy semejantes.

Yendo hacia lo que parece ser el preludio de Requiem (la secuencia que culmina con Alyssa perdiendo la vida) me inquieta el detalle de que Grace estuviera ahí, acompañando en una locación que su madre sabía insegura, un sitio en el que nuestra periodista tenía alertas en alto y para la cual contaba con planes de escape inquebrantables, como vimos en el tráiler.

Para mí, eso subraya la teoría de que Alyssa estuviese investigando algo muy personal con respecto al peligro biológico, porque ella estuvo expuesta y curada de una variante del t-Virus que por ende podría haber sido procesada por Grace en forma de anticuerpos.

Las maldiciones heredadas no son una novedad en Resident Evil, (pronto exploraremos considerables ejemplos al respecto), por lo que no es una locura asumir que como Alyssa era buena conociendo el peligro de conocer información que nadie más debía conocer, incluso en estas circunstancias lo ideal era proteger a su hija desde la cercanía, impidiendo que terminase convertida en pieza de un juego codiciado por quienes ven el bioterrorismo como un negocio.

La recurrencia del poder heredado

Lo que sí es claro para mí es que, sea o no Alyssa esa versión mutante, el impacto de su muerte y el trauma de Grace tienen que culminar en algo lo suficientemente impactante como para saldar la potente deuda publicitaria que carga esta entrega. Aún así, prefiero que sea el juego quien nos dé esa respuesta en febrero.

Es inevitable admitir que ya se asoman temas que Resident Evil ha explorado muchísimo en casi treinta años: la trascendencia a través del cuerpo de uno mismo. Tópico que, en casi todos los casos termina con una ironía y, si se le quiere ver así, una moraleja.

Llevamos décadas estudiando cómo en Resident Evil hay científicos y visionarios obsesionados con su propia forma de conseguir la inmortalidad, casi todos convergen en el objetivo de convertirse en seres poderosos y supremos ante los ojos del mundo: Oswell E. Spencer, James Marcus, Albert Wesker, William Birkin, Alexia Ashford, Derek C. Simmons, la lista es larga.

Casi todos estuvieron a sólo un paso de alcanzar el culmen de sus investigaciones; en la mayoría, el exceso de ambición y sus perspectivas narcisistas fueron los devoradores fatales de sus propios éxitos.

Probablemente ninguno de ellos vivió para ver su obra completada, pero eso no quiere decir que varios experimentos no hayan tenido éxito… colateral y accidentalmente, dejando un eco en nuevas generaciones que no pidieron cargar con esas herencias. Ese daño y perjuicio que no fue pagado por los victimarios es lo que me hace pensar que la tragedia, en conjunto con otros elementos como el horror o el gore, es uno de los temas más recurrentes en la franquicia.

Lo que la noche del 29 de septiembre dejó

Sherry Birkin podría ser el ejemplo más puro de lo que es cargar con un legado que no fue elegido. La hija de William y Annette creció bajo la sombra del aislamiento emocional, en un hogar en el que el verdadero primogénito no era ella, sino el G-Virus, la gran obra maestra de sus padres, dos de los mejores investigadores de Umbrella.

El que Sherry haya sobrevivido a Raccoon City la misma noche que la versión mutante de su padre fuera destruida y que su madre haya perecido en sus brazos, representa sólo un inicio. Si bien también tuvo la fortuna de despedir a la soledad a través de su fraternidad con Claire Redfield y Leon S. Kennedy, ella nunca tuvo tiempo para asimilar mucho, y tampoco para sanar. Esta vez fue la ambición gubernamental la que se encargó de convertirla en un recurso valioso para sus propios intereses, robádole toda posibilidad de libertad.

La negociación por el bienestar de Sherry también atrapó a Leon en una jaula que bloqueó su proceso de sanación al ser colocado en las filas especiales del gobierno, comenzando una vida en la que el trauma es un tabú y en la que haber sobrevivido a Raccoon City pareciera haber sido más una prueba de reclutamiento no escrita, que un verdadero incidente.

Catorce años después, una Sherry adulta, ya trabajando como Agente Élite de Seguridad Nacional, es enviada en una misión considerablemente riesgosa: localizar al hijo biológico de Albert Wesker, Jake Muller, y volver a Estados Unidos con una muestra de su sangre que, está demás decir que es invaluable.

En este contexto se dibuja por primera vez el resultado de la dupla que alguna vez fueron Wesker y Birkin. Sherry es valiosa no por lo que es como agente, sino por lo que su cuerpo representa: posee habilidades regenerativas extraordinarias y su envejecimiento es muy lento, ambos como secuela del G-Virus en su organismo tras la vacuna que su madre, con la ayuda de Claire, desarrolló en 1998.

Lo que para Jake parecía un superpoder, para Sherry era un “regalo” que le condenó a una vida de pruebas, experimentos y aislamiento, lo que la motiva a estar del lado de la lucha contra el bioterrorismo al que sus padres abonaron. Jake, quien sí es consciente de sus habilidades pero las normalizó al no conocer del todo su orígen, decide seguir los pasos de Sherry y colaborar con ella para salvar al mundo, entregándole la muestra de su sangre.

Cuando el amor es verdaderamente ciego

Hay algunos casos en los que la ambición no es el tema que evoca a la tragedia, de hecho, en estos otros, es ésta la que obliga a la ambición a ser el fin que justifica a los medios.

Javier Hidalgo es un influyente capo del narcotráfico en Sudamérica. Él aprovechó sus alcances para traficar con el t-Virus a fin de curar una enfermedad degenerativa en su esposa, Hilda; poco después su hija Manuela comenzó a enfermar también y fue suministrada con el t-Veronica. Ninguna de las dos soportó la exposición, Hilda terminó convirtiéndose en una criatura y Manuela quedó marcada con una lesión de por vida y su sangre, infectada, se encendía al contacto con el aire.

Leon S. Kennedy y Jack Krauser son enviados a buscar al capo Hidalgo en lo que se conoce como la Operation Javier, con el fin de detener el tráfico de estos fármacos. Allí son testigos de la condena de la familia entera: Manuela decide morir con el resto de su humanidad, utilizó su propia sangre para derrotar a su padre y dar a su madre el descanso eterno. Canónicamente hablando es rescatada, pero su futuro no diferiría mucho del de Sherry.

Otro caso es Miranda, cuya tragedia es la que da origen a más cosas de las que imaginamos.

La gran antagonista Resident Evil Village tiene (literalmente) una larga historia de agonía, por que es ante todo una madre consumida por la pérdida de su hija a raíz de un brote de la gripe española. Su luto se convirtió en una frenética obsesión por traer a Eva de vuelta a la vida, y la forma es algo que retoma la nueva forma en la que Resident Evil expresa la dichosa trascendencia: ya no es necesario el cuerpo de uno mismo si se puede conservar la conciencia y transferirla a uno nuevo.

Antes de que siquiera Oswell E. Spencer coqueteara con la idea del Virus Progenitor, Miranda buscaba consuelo por la partida de Eva, pronto cree que la única solución es terminar con su propia vida, así que se aísla en una cueva. Pero allí, en la soledad absoluta, Miranda encuentra la raíz del Mold, y descubre que puede conservar conciencias.

Miranda se hace del poder y el control que otorga el Megamycete, que tiene el conocimiento de todas las conciencias que absorbió por siglos y que de alguna manera estaba buscando el cuerpo ideal para seguirse alimentando.

Allí ella encuentra un nuevo propósito para seguir viviendo: encontrar al sujeto perfecto para revivir a Eva, borrando cualquier límite ético o moral. La cuestión es que en algún momento la brillantez y el fanatismo por la eugenesia convierten a Miranda en la musa del mismo Oswell E. Spencer que, a pesar de admirarla, no compartía los propósitos. Él quería la imortalidad propia; él quería ser un Dios entre los hombres, por lo que él mismo emprende el viaje a África para comprobar las leyendas literarias sobre el poder de la flor Stairway of the Sun, de la que luego se descubrió el Virus Progenitor.

No se sabe a ciencia cierta si Miranda y Spencer continuaron en contacto, o si su relación de colegas perduró a la distancia. Pero sí se sabe que ese chispazo de inspiración cobró quizás hasta millones de vidas inocentes a lo largo de toda esta historia.

La última tragedia

Casi en nuestra actualidad, Miranda unió fuerzas con una organización clandestina llamada The Connections que compartía su ambición de manipular el Mold y que, con una muestra del ADN de Eva inició lo que culminó en el proyecto Eveline, un arma bio-orgánica (con apariencia de niña) que en su primera iteración se vuelve inestable y a ojos de Miranda, es un fracaso.

Ese fracaso generó un efecto dominó: el barco en el que Eveline era transportada terminó completamente infectado por su vómito y la única superviviente, la agente de The Connections, Mia Winters, que tenía el trabajo de vigilarla, quedó bajo su influencia y merced cuando el barco naufraga en Luisiana.

Los cuerpos inconscientes de Eveline y Mia son hallados por un hombre llamado Jack que rápidamente las lleva a casa para ayudarlas y brindarles un techo, sin siquiera pensar que lo que acababa de hacer era condenar a toda su familia.

Lo que Jack ignoraba es que Eveline no es realmente una niña, sino una extensión más del Megamycete que en su necesidad de expansión natural y en esta forma “humana” buscaba desesperadamente el formar una familia. Bajo esta ilusión que Eveline sentía y creía de verdad, infecta y posteriormente controla a Jack y al resto de su familia, los Baker. Paradójicamente es Ethan Winters, el esposo de Mia, quien termina con el tormento de la familia que bajo el control de su infección habían hecho de su alrededor un lago de sangre y crimen; rescatando así los restos de su humanidad.

Pero nadie le dice la verdad a Ethan: él también fue un daño colateral, y pagó con su propia vida sin darse cuenta. Su cuerpo resiste gracias a que siempre estuvo infectado con el Mold. Cuando la BSAA lo rescata al lado de Mia, ambos son puestos en protección gubernamental y son obligados a vivir una nueva vida en Europa.

Entonces Rosemary Winters es concebida y se convierte en el blanco perfecto para Miranda y sus planes para reencanar a Eva. Al final, gracias al sacrificio final de su padre Rose no solamente logra permanecer en sí misma, sino que reclama el poder del Mold y derrota a Miranda en la consciencia del Megamycete.

La historia de Rose, sin embargo, es un caso que podemos analizar de una forma distinta al de Grace, pues es la única hija del bioterrorismo cuyo origen no precisamente está marcado por el odio o la ambición, al contrario, su nacimiento y trascendencia están sentados en varias formas del amor mismo.

En ella Capcom construyo algo singular: un personaje que mediante el consuelo deja de renegar de su naturaleza que jamás fue realmente humana, y que en consecuencia acepta todo su poder, uno de los más potentes que existen hoy en la franquicia.

¿Qué pasará en Requiem, entonces?

Todas estas historias encajan de cierta manera con el pasado de Raccoon City y el legado que aún parece tener una visión al futuro. Aunque la historia de los Winters parece ajeno al retorno a nuestra ciudad devastada, Alyssa sí estuvo enterada de los asesinatos que ocurrían alrededor del rancho de los Baker ya que ellos mismos tenían un artículo de periodico firmado por ella que sugiere que los investigaba de cerca.

Es posible que Alyssa sea entonces una pieza clave en la conexión de este incidente con Raccoon City, y eso podría resultar en muchas posibilidades para Grace y quizás, para que ella encuentre la resignación escribiendo el párrafo final en la historia que comenzó a escribir su madre, iniciando con su propio legado.

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El cargo Grace Ashcroft: la tragedia y los “hijos del bioterrorismo” en Resident Evil apareció primero en That Arklay Place.

Una de las frases que más ha dado de qué hablar en el material promocional de Resident Evil Requiem es la que habla sobre “la verdad oculta tras el desastre biológico de Raccoon City”, ¿cómo que verdad oculta? ¿Todavía nos falta algo por conocer del caos desatado por Umbrella hace casi 30 años?

Si bien algunos han tomado esto como un gancho para atraer a los fans de la vieja guardia, lo cierto es que la franquicia se ha caracterizado por introducir nuevos elementos que explican sucesos previos –como el virus Progenitor– o bien utilizar conceptos viejos para resignificarlos, como Las Plagas en Resident Evil 3 (de 2020).

Por ello, Requiem, siendo el título que dará “cierre” a la historia de Raccoon City, se postula como uno que estará lleno de estos pequeños o grandes cambios en el lore. Uno muy claro es Alyssa Ashcroft, personaje cuya historia inicialmente podría sentirse menor, pero que ha ganado importancia conforme han pasado los títulos y los años.

Cambios en el pasado, presente y futuro

En el equipo de Arklay nos pusimos a discutir cuáles podrían ser estos cambios y considerando el historial de Capcom, hay dos posibilidades bastante fuertes. La primera es ver el regreso de Lisa Trevor –tal vez la mayor víctima de Umbrella–; muchos fanáticos se inclinan a pensar que ella es quien cazará a Grace durante su estancia en el hospital.

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La segunda es la introducción retroactiva del Megamycete, un elemento que para algunos sigue siendo controversial. El deus ex fungi no sólo sería la forma de conectar a Requiem con el pasado reciente de la franquicia, también ayudaría a encaminar su futuro, porque recordemos que Rose Winters no sólo sigue vivita, sino que potencialmente es la B.O.W. más poderosa.

De hecho, como menciono en la teoría que armé respecto al regreso de Alyssa, es probable que Grace también sea una B.O.W., siendo hija de una superviviente de Raccoon y el t-Virus Epsilon, además de tal vez estar expuesta a otra variante del t-Virus y, probablemente, el Mold.

De tal forma que, si bien los “defensores de la humanidad” en los primeros seis títulos eran humanos protegiéndonos de los monstruos creados intencional y accidentalmente por Umbrella y otras organizaciones, a partir del noveno juego la primera línea de defensa podrían ser armas bio-orgánicas humanas –aunque la fuerza sobrehumana de Chris siga siendo objeto de estudio–.

El Megamycete, más allá de Miranda

Una crítica de algunos fans respecto a la historia de Ethan Winters en Resident Evil 7 y Village es que se siente “autocontenida”. Esto sólo es válido si ignoramos elementos como Alyssa Ashcroft reportando la desaparición de personas en los pantanos de Louisiana; The Connections como una nueva amenaza global; Mother Miranda relacionándose directamente con la historia de los fundadores de Umbrella; o la B.S.S.A. siendo una parte integral de los eventos de estos juegos.

Ni una sola de estas decisiones se da sin una motivación narrativa a futuro.

Un posible responsable de esta idea erronea es el Megamycete, que sólo ha aparecido –y desaparecido– en estos juegos. Pero a Capcom se le presenta la oportunidad de volver a usar al hongo en Requiem de una forma semejante a lo que hicieron con el Progenitor en Resident Evil 5, establecerlo de forma retroactiva con el confiable: “siempre estuvo ahí, solo que no lo sabías”.

Como biólogo, mi relación con el Mold, Eveline y el Megamycete es de frustración, ya que los responsables de la narrativa estuvieron muy, muy cerca de escribir una excelente B.O.W. basada en fenómenos reales –especialmente en RE7–, pero lo arruinaron, algo que expliqué en su respectivo Virology. En su lugar nos dieron un Deus ex machina que se acomodaba a cualquier cosa que el guion necesitara.

Esto no quiere decir que entre las particularidades que le dieron al Mold no haya cosas que rescatar. Una característica de las B.O.W.’s derivadas del Megamycete a diferencia de las creadas a partir de los virus de Umbrella, es que el hongo permite una regeneración extrema. Mientras los virus crean monstruos cada vez peores y más deformes conforme reciben daño, el hongo reestablece a la persona a su forma original.

Tristemente, con esto volvemos a Lisa Trevor. La pobre vaya que sufrió daño durante sus enfrentamientos con las y los jugadores, cuando se aventó a un abismo y le cayó el candelabro, pero fuera de la aparición de algunos tentáculos no mutó grotescamente y siempre se regeneró a su “forma original”.

Así es, creemos que, por si fuera poco, posterior a los virus, en algún momento Lisa fue expuesta a alguna variante del Mold.

Algunos preferimos pensar que, si la explosión de la Mansión Spencer no acabó con Lisa, entonces está libre en las Montañas Arklay, donde come animalitos y vaga por el bosque. Pero en las Montañas está el hospital donde Alyssa vive sus dos historias de terror en Resident Evil Outbreak File #2, y donde algunos pensamos estará el hospital que visitaremos en Requiem. Así, suena hasta lógico que quien persiga a Grace sea ella.

Honestamente, dado mi historial con el Megamycete, quisiera no volver a verlo, pero debo admitir que tendría sentido. Lo peor es que, considerando el futuro de la franquicia con Rose Winters como un elemento central, quiero que el hongo regrese por última vez. Me explico: no solo justificaría el regreso de Lisa, ayudaría a darle cierre a su tragedia.

Al guardar una “copia” de la psique de los afectados por el hongo (ugh), y siendo Rose el Megamycete encarnado, nuestra querida rosita invernal podría comunicarse con Lisa por medio de esta conexión y darle paz, decirle que sus padres están descansando, o que a quienes la torturaron por años les quitaron la suscripción a la vida, lo que sea con tal de ya detener de una vez su sufrimiento.

De cualquier forma, es una posibilidad grande que volvamos a ver al hongo. Dada la relación de Mother Miranda con Oswell E. Spencer, no sería sorpresa que a lo largo de los años hayan mantenido contacto e incluso compartieran muestras y avances de sus respectivas investigaciones. Esto abre la puerta para que Umbrella haya usado, tal vez “sin éxito” al Mold o al Cadou.

Pero, si no es para ayudar a descansar a Lisa entonces no quiero al moho malvado de regreso. He dicho.

El cargo ¿El Mold volverá en Resident Evil Requiem? apareció primero en That Arklay Place.

Si bien el lanzamiento del nuevo Resident Evil 4 ha traído más felicidad y emoción en la comunidad que otros, no ha habido excepciones en cuanto a los comportamientos tóxicos de ciertos usuarios que prefieren ver el mundo arder.

Al igual que muchas otras, (principalmente de nombres con grandes trayectorias) la comunidad de Resident Evil es conocida por apasionada y comprometida con la franquicia. Pero a medida que sus territorios se expanden, esa “pasión” transiciona a darles la forma de verdugos con juicios que, (si milagrosamente parten de sí mismos) tienden a rozar en lo simplón.

Es debido a las facilidades que aporta el anonimato online, que la adopción de la “cultura de la cancelación” gradualmente se ha contextualizado como un recurso más negativo que en lo que solía ser al principio: una manera de exponer órganos o individuos que de alguno u otro modo perpetraron algún daño grave y profundo en la sociedad.

Para internet, actualmente, “cancelar” es sinónimo de destruir básicamente cualquier cosa que no cumpla con parámetros comúnmente tan arbitrarios como que simplemente no les gusta algo o que algo no es exactamente como sus mentes lo imaginaron; al menos en cuanto a media respecta.

El acoso cibernético y el talento actoral

Para la reedición de Resident Evil 4, ha sido la actriz Lily Gao aquella encargada de prestar su voz y su interpretación para dar vida a la entrañable Ada Wong. A pesar de ser la primera vez que Gao incursiona dentro de la franquicia desde el punto de vista de los videojuegos, ella también se puso en los zapatos de Ada para la escena postcréditos de la cinta live-action Welcome to Raccoon City (2021).

En algunas entrevistas previas al estreno de la cinta en cuestión, Gao expresó infinita emoción y gratitud con respecto a la interpretación del personaje, por lo que era de esperarse que al poder continuar siendo la voz de Ada en los videojuegos, el desempeño de la actriz fuera notorio y entusiasta.

La semana pasada, los verdugos tomaron las redes sociales para ir directamente a las plataformas de Gao para atacarla y acosarla, especialmente después de que la actriz compartiera una imagen en el set de grabación de Resident Evil 4. Este comportamiento tuvo como consecuencia que Gao desactivara los comentarios; y que luego de varios días, simplemente retirara todo su contenido de Instagram para evitar más odio.

Nada justifica este comportamiento pero, ¿cuál fue la justificación? simple y sencillamente que “no les gustó su actuación”. Todo partió de un tuit que “reclamaba” a la actriz el haber invertido dinero en una edición Deluxe de RE4 para “recibir una actuación mediocre”. Algo semejante ocurrió con Avan Jogia cuando interpretó a Leon S. Kennedy hace unos años.

Otras de las quejas que pueden encontrarse recaen sobre la participación de Ada; porque es una de las cosas más distintas en esta versión, eliminando por mucho el papel de femme fatale que solía predominar en su original. Independientemente de que no es que Gao haya tomado las decisiones de dirección y tampoco de guión, está demás expresar los miles de motivos por los que esto es inaceptable.

Y que ya se ha vuelto una cantaleta cansada en las comunidades.

Resident Evil no es ni cercanamente el único fanbase que sufre de este mal en la industria; otros ejemplos recientes y lamentables fueron The Last of Us Part II y la adaptación de TV de The Last of Us para HBO.

Cerca del lanzamiento de Part II en 2020, una filtración de escenas importantes fue el escenario de la ira de muchos fanáticos de la IP de Naughty Dog. Ellos tomaron interpretaciones muy precipitadas sobre el destino de Ellie y de la historia, a meses de siquiera poder tener acceso a la pieza final.

Este descontento (que también fundamentaba del aspecto de varios otros personajes) se convirtió en un caos repleto de acoso al director Neil Druckmann y a todo el elenco del videojuego, especialmente a la legendaria Laura Bailey que en ese entonces dio vida a Abigail “Abby” Anderson de forma entrañable.

Bailey recibió múltiples amenazas de muerte hacia ella y también hacia su hijo de entonces dos años; por haber “arruinado” la historia de The Last of Us y por “haber seguido la agenda política” de Neil Druckmann. (Traducción, todos creían que el personaje transexual era Abby, y oh! sorpresa).

La historia se repite con Bella Ramsey en el papel de Ellie para la serie de TV. Y podríamos seguir listando muchos más casos de descontentos infundados que se convierten en actitudes que incluso rozan la ilegalidad.

The Last of Us Part II, curiosamente, se considera actualmente como uno de los mejores videojuegos de la historia. Gran parte del porqué es el profundo poder narrativo; que se apoya de emocionales actuaciones que conectan con nosotros y nos dejan reflexionando sobre nuestras decisiones como jugadores.

Este título se llevó las palmas de la crítica (por acá nuestra reseña) y se coronó como el juego del año en 2020. Este suceso seguramente para el equipo de desarrollo se sintió como una bocanada de aire frente al hecho de que tuvieron un año repleto de escándalo absurdo…

… Y una página de Metacritic repleta de bombardeo por parte de los usuarios.

¿Cuál es el punto del review bombing?

La ya famosa modalidad del review bombing en Metacritic es por mucho absurda. Consiste en aparecerse en la página del juego, dejar una mala calificación y una justificación acéfala que preste una justificación al número negativo.

La casi perfección de Resident Evil 4 no lo exentó de sufrir del mal. Actualmente las páginas de ciertas versiones del título en Metacritic están sufriendo de review bombing; principalmente porque Capcom tomó la sabia decisión de no distribuir este título en Xbox One pero sí en su contraparte de la generación pasada, PlayStation 4.

¿Cuál es el objetivo, o, vaya, la diversión en ello? Porque el review bombing se ha popularizado tanto que no precisamente es que afecte considerablemente a nivel ventas.

Como consumidores, es natural que exista un grupo que esperaba algo distinto; o que sencillamente no esté conforme con el resultado de un producto como éste. Pero hay todo un muro de diferencia entre expresar un disgusto a convertirlo en una acción nociva e hiriente hacia personas que sólo están desempeñando su trabajo.

Uno que por cierto no consiste en acciones azarosas.

Es importante que la sociedad comience a reflexionar en su falta de empatía y se tome más en serio estas problemáticas. Que comencemos a desarrollar el pensamiento crítico; y que dejemos de creer que como somos “el lado que saca la cartera”, tenemos el derecho a exigir con violencia.

Fuentes: Lily Gao @ IG, Metacritic

El cargo Resident Evil 4 y cuando el fanatismo se convierte en ridiculez apareció primero en That Arklay Place.

La espera por el lanzamiento de uno de los títulos más anticipados para este 2023, está prácticamente llegando a su fin. La reedición de Resident Evil 4 llega el 24 de marzo, trayendo la esencia de lo que hizo a su original un eslabón importante; pero también recargado para volver a marcar a una nueva generación.

Sin duda, el Resident Evil 4 original fue un título que levantó buenas y malas discusiones que hoy en día reviven de vez en cuando. Una de ellas es Ashley Graham, quien en términos generales forma una parte bastante importante tanto dentro de los aspectos narrativos del juego, como también en lo que a gameplay y curva de dificultad respecta.

La hija del presidente de Estados Unidos, es el conflicto principal: luego de ser secuestrada, es el motivo por el que Leon S. Kennedy es enviado a España con la misión de encontrarla y traerla de vuelta a casa, sana y salva. Así que, bajo esta idea es que en aquel momento se justificaban múltiples cosas que hicieron de Ashley algo singular para la franquicia.

Empezando con los aciertos: la presencia de Ashley Graham proponía un alza en la dificultad de las cosas, llegaba en el momento adecuado para el jugador porque para entonces éste ya habría entendido y adiestrado las novedades del gameplay y el control. Por ende, ya era momento de aprovechar dicha práctica en mejorar sus habilidades estratégicas al tener que estar más al pendiente de los alrededores.

Lo malo es que para poder justificar el estado comúnmente poco colaborativo de Ashley en este sentido, Capcom le otorgó el rol de damisela en apuros y nos puso junto a ella en un montón de situaciones sin sentido que la disocian de la gravedad de la situación; que desconectan la empatía del jugador con ella (si es que se lograse conseguir) y que se refleja en una desconexión considerable con otros personajes.

La situación empeora, naturalmente, cuando Ashley termina siendo un bloque de LEGO más en la construcción del gameplay. Mientras que es constantemente cosificada y estereotipada sin tapujo alguno; trayendo como consecuencia que casi dos décadas después, ella continúe siendo uno de los personajes “más odiados” de la franquicia.

Desde el ojo de aquellas personas que no precisamente gozan del análisis sin complicar su existencia en profundizar sobre los juegos que disfrutan, Ashley Graham no es más que “un estorbo”, “muy molesta”, “inútil”; puede que otros quieran verla desde el punto de vista físico, en donde los piropos escalan en tipos.

Y ahora, la sinceridad

El indudable éxito y buena cara que Resident Evil 4 obtuvo tanto de críticos como de jugadores volvió imperceptibles muchos de los defectos que son, desde mi perspectiva, la forma en la que este título verdaderamente envejeció.

Imperceptible es para muchos que RE4 fue quien tiró la primera piedra hacia una era de la franquicia que comenzó a olvidar ciertas bondades que le posicionaron; una jugada que habló con numeralia y que con títulos posteriores resultó ser un éxito en ventas; pero que (como he mencionado continuamente) tenía una fecha de caducidad.

Mientras eran peras o manzanas, Resident Evil continuó caminando por un sendero sin emociones en la práctica. Dejó de lanzar entregas que se sintieran personales o íntimas para entregar historias de acción que eran el anzuelo para los jugadores entusiastas de franquicias contemporáneas, en un momento en el que los first person shooters competitivos eran lo de hoy y el survival horror (como lo conocíamos) comenzaba a oler a viejo.

Dieciocho años después del lanzamiento original de Resident Evil 4 muchas cosas funcionan de manera distinta: los jugadores y sus preferencias; las audiencias femeninas y la industria, incluso.

Paralelo a esta evolución, Capcom ha prestado atención y ha trabajado arduamente por enriquecer a sus gallinas doradas entregando nuevos títulos que cumplan con creces en cualquier aspecto. Ofreciendo entregas que apelan tanto a viejos jugadores como a nuevas audiencias, especialmente desde el ámbito narrativo y creativo.

Resident Evil es el principal en la lista. Desde la recepción de Resident Evil 7 en 2017, muchas lecciones parecen haber sido aprendidas y mucho de este aprendizaje se ha impregnado en cada sucesor.

La compañía parece haber encontrado un balance entre lo que la verdadera comunidad de Resident Evil quiere; también la realidad de lo que es posible y lo que no. Los gustos que ya no puede aceptar de forma indiscriminada, la bravura de hacer movimientos en títulos queridos para hacer que los engranes vuelvan a andar para, otra vez, amasar millones de juegos vendidos en reediciones.

Que claramente contrarrestan el lloriqueo de los puristas en términos tangibles.

5 grandes cosas que te perdiste por odiar Resident Evil 3

El éxito no se mantiene por sí solo

Resident Evil 4 era el mejor terreno fértil en muchos sentidos, incluido naturalmente el comercial (y de ahí la respuesta de por qué este es el título recibiendo el tratamiento del remake y no Code: Veronica) las decisiones estratégicas de Capcom y la osadía de tocar títulos importantes para la comunidad deberían continuar floreciendo con más intensidad. Muchísimas cosas hay que cambiar y aquí hay muchísima tela de dónde cortar.

Entonces presento nuevamente el debate que se desarrolla alrededor de Ashley. Exactamente sobre lo que estaba normalizado anteriormente en lo que el equipo de desarrollo puso sobre ella en aquel entonces, lo que ha cambiado hoy y lo que debería cambiar mañana.

Volvamos a 2021, cuando la versión de Resident Evil 4 para Meta Quest 2 fue lanzada.

Parte de la comunidad se volvió muy vocal ante lo que para ellos era una evidente censura del juego. A lo que su desdén respondía, era a que esta versión es la primera de tantas que por primera vez borra por completo escenas y contenido que quizás hoy en día resulte inapropiado o morboso, especialmente con un visor de realidad virtual.

Los personajes femeninos del juego fueron los más bendecidos por este hecho, especialmente Ashley Graham. Por dar ejemplos, esta versión elimina la posibilidad de verle la ropa interior; las referencias y frases que existen sobre sus voluptuosos pechos (especialmente la escena en la que Luis Sera se refiere a ellos denigrantemente); las referencias de acoso al personaje y la insinuación sexual que la hija del presidente hace a Leon al final del juego.

Es muy probable que esta exclusión haya sido una cuestión de términos y limitaciones entre compañías para comercializar el juego en la tienda de Facebook, pero la reacción fue interesante en su momento porque encendió discusiones (y hate) de una parte de la comunidad que criticó la censura en lugar de analizar por qué este material fue sacado de la modernidad del juego original.

El debate se hizo de un pronunciamiento oficial, en el que la compañía admitió que esos cambios se llevaron a cabo con el propósito de no continuar normalizando esos temas como lo habrían hecho anteriormente ante un momento en el que la perspectiva era diferente o incluso hasta imperceptible. Dicho de otro modo, lo que antes parecía gracioso o nimio, hoy quizás ya no lo es, y resulta completamente fuera de lugar.

Aún recuerdo haber celebrado públicamente aquella postura. A más de un año de haberlo hecho, aún recibo mensajes de hombres que me cuestionan con todo tipo de intenciones sobre el tema; generalmente tratando de convencerme de que lo que hacía de Resident Evil 4 “un clásico”, era precisamente eso.

Pero considero que ahí no se encuentra la verdad. Especialmente porque esa versión del juego puede disfrutarse de igual manera sin ellos.

Y porque esas mismas personas están aplaudiendo como focas recién alimentadas a todo nuevo avance de la reedición que podremos disfrutar en marzo. Avances que han sido muy estratégicos en mostrarnos puntualmente la nueva cara de esas escenas que anteriormente alzaban misoginia y machismos fuera de contexto.

This “señorita” has a name

Resident Evil 4 (2005) se esmeraba en su Ashley Graham de alguna forma malcriada y con uno que otro dote de la rubia tonta. La disculpa era que la hija del presidente debía ser así, y eso justificaba que por eso había resolver cada paso que daba. Casi seguro es que la nueva versión elegirá otra cara de la moneda para ella.

Existe información suficiente sobre lo que Capcom ha retrabajado para mejorar su personaje en todos los aspectos, sin restar el hecho antes mencionado: Ashley es un pilar importante para el gameplay y de ninguna manera pretenden buscar que eso se simplifique.

La primera cosa que se hizo notar fue el famosísimo atuendo. Pese a que continúa respetando la composición del que Ashley utilizó originalmente, hoy introduce prendas extra para representar de forma realista la época del año, las condiciones climáticas del lugar del rapto y, de paso, impedir que el jugador sea distraído por cuestiones como sus pechos o sus infames panties, dejando atrás la sexualización.

Hemos visto momentos en los que Ashley decide defenderse en lugar de huir o intentar ocultarse como en su versión equivalente, denotando un poco más de madurez y alejándose de aquella disociación a la realidad. Capcom utiliza la misma justificación de “la hija del presidente” pero desde otra perspectiva: aquella que tiene que aprender a defenderse o tener un sentido constante de emergencia, habituándose a la idea de un mundo en el que existe el bioterrorismo y ella se encuentra en una posición sumamente expuesta a cualquier tipo de ataque súbito.

Interesantemente, una de las escenas que la cobertura exclusiva de Game Informer hizo notar mucho más, fue aquella en la que Luis habla de Ashley como una “hija del presidente bien equipada en balísticas”, sólo que en su versión de 2023.

Hoy Luis sigue dirigiéndose a ella pero en un tono más amable y sólo celebrando que Leon encontró a “la señorita perdida”, Leon en lugar de reaccionar de forma indiferente como lo hacía anteriormente, no solamente da su lugar a Ashley al momento de defenderse a sí misma pidiendo a Luis que deje de llamarle por sobrenombres, sino que también mantiene a Luis alejado de ella, con ninguna clase de interacción de confianza hacia él.

Finalmente hay otros cambios confirmados que parecieran ser algo sutil, pero que humanizan a Ashley Graham dentro de la intención misma de esta versión de Resident Evil 4: ella utiliza las escaleras por sí misma, busca ayudar a Leon en diversos obstáculos y situaciones, convirtiéndose más en una compañera que en una protegida; tiene preocupaciones dignas de la situación como qué ocurrirá con su cuerpo o cómo encontrarán la manera de salir con vida de España.

En general, conoceremos a una Ashley Graham más madura sin perder la naturaleza de la edad que tiene, perdiendo el papel de carga para Leon y posiblemente generando un vínculo que contagie verdaderas emociones a los jugadores.

Pero esto no es sorpresivo

La realidad es que decir que estos cambios son una novedad en lo que considero la ola moderna de Resident Evil sería una mentira. Porque Capcom ha colocado sus prioridades en enriquecer a la humanidad, al realismo (hasta donde es posible) de sus historias y de los personajes que más nos gustan, antes de vendernos la imagen indestructible que solíamos tener sobre ellos.

La gran mayoría de los personajes femeninos de Resident Evil han dejado huella y se han mostrado fuertes, inteligentes y respectivamente empoderadas en lo que saben hacer mejor. Incluso si examinamos el historial de villanas, muchas de ellas eran la envidia de algún colega masculino. Pero aún así, la franquicia no exentó el pecado de llevarlas hacia algún tipo de cosificación.

Los hombres también fueron víctimas de estereotipos durante algún tiempo.

Chris Redfield por ejemplo, jamás denotó vulnerabilidad alguna hasta Resident Evil 6 donde se le ve afectado por primera vez. Lo mismo con Leon que, de hecho, en Resident Evil 4 es la antítesis de su versión de 1998: justo, respetuoso y con cierto nivel de vulnerabilidad emocional. Está demás mencionar que sus actitudes de “los hombres no lloran” se complementaban de musculaturas “sobreaspiracionales” que hasta el mismo Capcom aceptó como irreales en nuestros días.

Por ende las reediciones, necesarias o no, existen. Y han sido una oportunidad bastante bien tomada para trabajar en eliminar varios defectos y huecos dentro del desarrollo de los personajes que se han podido rediseñar, sin necesariamente perder lo que todos hemos adorado de ellos a lo largo de casi 27 años.

Ahora es posible conocer consecuencias emocionales de vivencias pasadas. A nivel desarrollo, la elección de cada atuendo ha dejado de ser una decisión casi azarosa o sólo basada en cómo luce el personaje sin importar el contexto de su vida o ubicación. Desde Resident Evil 7 recuerdo muy pocas situaciones en las que haya sentido una desconexión emocional entre los personajes o, por el contrario, una conexión que pueda resultar extraordinaria si esa misma situación se presentase en la vida real.

✖️

Quizás a través de estos años he pecado de reiterativa cuando insisto en que lo que ha hecho de los remakes de Resident Evil (contando al del original, de 2002) algo excepcional, es que Capcom se ha convertido en un enemigo de calcar y ha tenido extremadamente claro el tipo de cosas que es necesario cumplir para que estas piezas no solamente sean una historia vieja contada en términos modernos; sino que vuelvan la franquicia en algo completamente accesible.

Desde unificar retazos de historia que se han esparcido por la cantidad de transmedia canónica que ha habido, encontrar consecuencias particulares para cada personaje, reafirmar sus personalidades; hasta apelar a generaciones que posiblemente ni siquiera habían nacido cuando muchos de nosotros jugábamos al primer Resident Evil 4 y que, sin duda, han sido criados bajo nuevas ideas, nuevas formas de consumo y que son mucho más expresivos sobre lo que no les atrae.

Siempre es importante recordar que aunque nos encanten las famosas raíces de Resident Evil, éstas nunca dejarán de existir, pero para que un producto pueda continuar creciendo de forma sana, hay que eliminar lo que ya está seco y estorba a esa evolución.

El cargo Ashley Graham: la evolución necesaria para el nuevo Resident Evil 4 apareció primero en That Arklay Place.

Aquellos que me conocen saben que Resident Evil forma parte de mi vida diaria. Es tal el fanatismo que llega al grado de estar año con año atento a todas las novedades posibles y conocer más sobre las viejas y nuevas entregas.

Y a pesar de que a través de los años me he convertido en ávido seguidor de historias como Gears of War o Red Dead Redemption, entre otras más, ninguna ha llamado mi atención como la longeva franquicia de Capcom.

Pero toda gran historia tiene un gran comienzo, ¿no es así? Así que, haciendo una pequeña modificación a la frase que Ted Mosby le dijo a sus hijos: hoy voy a contarles una historia, la historia de como conocí Resident Evil.

El primer encuentro

El curso de la historia no me permitió conocer la franquicia desde sus inicios, ya que existe la coincidencia de que tanto RE como yo vimos la luz en el ya lejano 1996, pero el destino nos cruzaría en unos cuantos años.

Y llegó el día. Se supone la primera cita o encuentro debe ser perfecto para así poder contar la historia en un futuro, según Andy Bernard de The Office que a su vez hace referencia a How I Met Your Mother. En mi primer encuentro con RE no fue así.

Para un mejor entendimiento debemor regresar al 2002, año donde inició mi pasión por los superhéroes gracias al film live action de Spider-Man y curiosamente el año de estreno de la primera cinta de Resident Evil protagonizada por Milla Jovovich.

En algún momento de la segunda parte de ese año tuve acceso a mi primera consola de videojuegos: la mítica PlayStation en su versión One. Con ella llegaron algunos juegos que en su momento desconocía pero me entregaron grandes momentos de diversión.

Haciendo memoria entre ellos se encontraba el primer Spider-Man, mi favorito después de haber quedado impactado por su versión de cines. Junto a esa joya se encontraba un Twisted Metal, Gran Turismo, Mortal Kombat y un Winning Eleven que recuerdo con cariño por su intro con We Will Rock You de Queen.

Dado que la piratería estaba en su auge durante aquellos años era común encontrar consolas y videojuegos de esta manera, y en mi caso no fue la excepción. Junto a la pequeña One llegaron algunos discos sueltos sin nada que los identificara, así que el momento de ingresar uno a consola y descubrir su contenido era todo una sorpresa.

Precisamente así ocurrió con el que se podría considerar el primer RE que conocí. Sin nombre o caja que lo identificara, no fue hasta que llegué a la pantalla de inicio que pude conocer su nombre: Resident Evil Survivor.

Lo siento Ark, será para otro día

La historia daba inicio. El logo de Capcom y la posterior pantalla principal con el nombre del juego y un arma en ella. Después de unas cuantas cinemáticas por fin se me otorgó el contro del desconocido personaje principal. Desconocía de quien se trataba o que hacía en ese lugar, solo sabía que debía moverme.

Unos cuantos pasos más adelante, justo después de encontrarme con un tipo inconsicente llegó el primer encuentro con un zombi. Recuerdo no saber que hacer en ese momento, pero mi sentido común al ver a esa criatura acercarse fue accionar el botón correspondiente para accionar mi arma.

Siendo sincero no recuerdo cuantas veces sucumbí ante esas criaturas, pero de alguna forma u otra lograba avanzar. Hasta que llegué con aquellos que me hicieron abandonar toda esperanza. En su momento no sabía su nombre así que solo me refería a ellos como “perros rojos”. Tiempo después supe que su nombre era “Licker“. Aunque en su momento lo peor es que eran dos los que me enfrentaban.

Sin importar cuantas veces lo intentara, siempre eran más rápidos que yo y acababan con mi partida. Al final llegó el momento en que no dí para más y decidí dejar para otro día la solución a la situación entre esos ágiles enemigos y yo. Lamentablemente no hubo otra oportunidad ya que para mi desgracia la PS One tuvo que irse de casa. Los Lickers ganaron la batalla, pero no la guerra…

El código era Veronica

Como bien se dice por ahí, no hay plazo que no se cumpla ni fecha que no se llegue, y finalmente Resident Evil y yo tuvimos una nueva oportunidad para escribir nuestra historia. Poco más de un año después de que tuviera que despedirme de la PS One mi madre llegó a casa con su reemplazo, una bestia mucho más grande y de un color totalmente distinto a la pequeña gris que era la One. Su nombre: PlayStation 2, o PS2 para los amigos. Para esto debemos ubicarnos aproximadamente a finales del 2003, noviembre o diciembre, no recuerdo exactamente.

Pero no venía sola, junto a ella venía un título que me parecía familiar pero a la vez era totalmente diferente. En la portada se apreciaba la figura de una mujer y un hombre, mientras que en letras grandes marcaba claramente su nombre: “Resident Evil: CODE Veronica X“. Inmediatamente lo relacioné con ese título de la antigua One y las despreciables criaturas que me habían derrotado.

Con la intención de sacarme esa espinita o tal vez porque era el unico juego que venía en ese momento con la consola fue que CODE Veronica y yo empezamos nuestra historia, una que sigue muy viva a día de hoy.

Finalmente empezamos nuestra aventura y lo primero que destacó fue la diferencia gráfica entre Survivor y CV, reflejado inicialmente en esa secuencia inicial llena de acción donde vemos a una entonces desconocida para mi Claire escapar de un gran grupo de atacantes.

Una vez que por fin tuve el control pasaron unos minutos en los que deducía lo que debía hacer. Después de entender de vaga manera los controles del juego y para que servía cada acción vino una de las escenas que me dejaron marcado para siempre.

Para ese entonces mi joven versión ya había tenido más acercamientos a algunas películas de zombis, lo que sumado a la experiencia previa con RE Survivor hacía que estuviera familiarizado con esas criaturas que regresaban de la muerte para consumir cerebros humanos.

Gracias a Survivor ya entendía que en RE era normal tener uno que otro susto sorpresivo, pero lo que hizo Code Veronica fue diferente. De inicio, al subir las escaleras para salir de la pequeña prisión crearon un sentimiento de tensión con la lentitud de los pasos y los latidos del corazón de fondo, era seguro que el jumpscare venía pronto, pero no.

Vienen por ti, Bárbara

Claire salió a la superficie, y frente a ella una esquina con ambiente lluvioso en apariencia tranquila. Después de dar unos pasos vino el tan esperado momento: un helicoptero accidentado explotando en llamas y surgiendo de él un zombi con la piel derritiéndose por las mismas. “Es uno solo” pensé, “será fácil” continué, pero lo mejor estaba por venir.

La cinemática que venía a continuación presentaba a Claire siendo acechada por cadáveres que surgían directamente de sus tumbas, pues sin saberlo nos encontrabamos sobre el cementerio del lugar. Esta escena me impactó de tal manera que durante algunos años, e inclusive al día de hoy, sienta un poco de tensión al visitar estos lugares. El hecho de que una de mis escenas favoritas del cine sea una similar en la famosa Night Of The Living Dead del maestro George Romero tampoco ayudó mucho a superar eso.

El resto de mi camino a través de ese lugar junto a Claire consistió principalmente en morir y morir a medida que lograba avanzar, hasta que llegó el momento de conocer al personaje que se convirtió en mi favorito, un “fantasma” en ese entonces.

Ver la escena introductoria de Albert Wesker me bastó para quedar impresionado con el villano. He de admitir que al inicio sentí enojo por como trató a Claire, pero después de verlo girar el rostro y mostrarnos sus brillantes ojos de color rojo y la pequeña muestra de sus habilidades fue suficiente.

No sabía nada de ese sujeto rubio vestido con lentes y ropa negra, pero en mi mente infantil solo pude pensar “es tan cool, quiero ser como él”.

Si decidiera contar completamente mi experiencia jugando Code Veronica creo que daría para una lectura muy extensa, pero para resumir basta con mencionar esas dos secuencias para dar a entender la razón por la cual quedé enamorado primero de dicha entrega y posteriormente de la franquicia en general.

Pero continuando con la línea de la PS2 el siguiente en la lista fue obviamente el aclamado Resident Evil 4, un cambio mucho más grande comparado con el que ví entre Survivor y CV.

Acostumbrarme a personajes distintos, jugabilidad más sencilla e interesante, una historia nueva, todo eso valió la pena cuando de la nada vi aparecer a ese villano tan cool que conocí enfrentando a los hermanos Redfield una entrega antes. Incluso estoy ansioso por conocer su apariencia en el próximo remake de dicho título.

Una mirada al pasado

El resto es historia. A partir de ahí mi conexión con Resident Evil fue creciendo poco a poco con lo que estaba a mi alcance, donde incluso las películas protagonizadas por Milla Jovovich jugaron un papel clave, no lo negaré.

Entre las nuevas entregas que salieron posteriormente para consolas de nuevas generaciones y el encontrar la forma de poder disfrutar de aquellas que ya existían fue que el Erick de ese entonces conoció más a fondo todo lo que Resident Evil abarcaba, y sinceramente creo que todavía conservo esa emoción por conocer algo totalmente nuevo de la franquicia.

Ahora que lo pienso y me siento a analizar, creo que la conexión entre mi versión infantil y RE se debió exactamente a lo magistral que es Code Veronica en lo que a elementos icónicos se refiere. Veamos: los hermanos Redfield, un personaje de soporte como Steve Burnside, Albert Wesker, un enemigo estrafalario como Alfred Ashford y una mujer poderosa como su hermana Alexia, Umbrella, gran cantidad de B.O.W’s.

Tal vez el pequeño Erick no lo sabía, pero mi versión actual que conoce el peso de todo lo que acabo de mencionar le agradece por decidirse a tomar asiento frente al televisor, agarrar el control y empezar a recorrer cada rincón de la isla Rockfort, expectante a lo que se pudiera encontrar al cruzar cada esquina.

Y sí, por si se lo preguntan años después volví a jugar RE Survivor y pude arreglar mis poblemas con esos molestos Lickers.

El cargo Arklay Stories: La clave es Veronica apareció primero en That Arklay Place.

No puedo asegurar que en 1996 mi versión de apenas cuatro años ya tenía una noción apresurada o comprometida sobre el tiempo. Es incluso probable que a esa corta edad todavía ni siquiera sentía preocupación por el pasar de los años, los meses o los días.

La envidiable serenidad y pureza de mi juventud en aquel entonces no deberían tomarse como un motivo para subestimar la inquebrantable curiosidad que ya existía en mi mundo. Para entonces había experimentado de alguna forma a los videojuegos y al mismo tiempo, ya comenzaba a hallar varias de mis pasiones más importantes.

La primera experiencia en este maravilloso universo interactivo fue con un fragante SNES que pertenecía a un ser sin rostro en mis memorias, y me endulzó con los víbidos colores de Super Mario World; reforzó mi efímero amor por los cómics gracias a The Incredible Hulk y me introdujo a los fighting games con Mortal Kombat.

De hecho, por algún tiempo fue el mismo Mortal Kombat el que fungía como un referente en mi primera definición personal sobre “qué eran los videojuegos”.

Una cosa muy simple en realidad: dos jugadores, cada uno afianzado a un control como su lado del match y la culminación del duelo en un ambiente competitivo.

Quizás otros juegos también me habrían enseñado que este mundo consistía sí o sí en ser disfrutado al lado de otro jugador y por eso lo interpreté de tal modo.

Eso era una pena silenciosa, porque al ser hija única parecían ser un privilegio limitado a la compañía que no iluminaba mi alrededor tan seguido.

No acertaría tanto si hago el cálculo exacto entre mi primera experiencia con videojuegos hasta el día que mi mundo fue sacudido por la llegada de un PlayStation a casa. Lo único que sé es que, a juzgar por el jolgorio que se escuchaba en la habitación de mi tío hermano en compañía de su primo Bet y amigos, ese sistema era una innovación del entretenimiento.

Vaya que mi intuición era correcta, pero esa confirmación no llegó fácilmente. Pareciera que es el ciclo natural del gamer que inicia temprano: andar a la merced de los hermanos mayores; esperar con suma paciencia al día que se nos reciba a observar partidas en silencio.

Y si se tiene suerte, poder tomar el control por un rato.

Mientras esas ocasiones asomaban de forma azarosa y limitada, escuchaba las risas de mis tíos prácticamente todos los días; trataba de adivinar qué era lo que estaban jugando y continuaba esperando. Mientras, desarrollaba otros de los mayores salvadores de mi infancia y de la vida misma: el amor por dibujar, por la comunicación visual y el eterno ritual de la escritura.

Y todos esos gustos tuvieron la capacidad de converger en todo aquello que me compone hoy. Y es que, verán, en prácticamente el entero de mi vida todo se ha tratado de historias y ello está lejos de ser un accidente. Resulta ser que soy la hija, la sobrina y la nieta de una familia nuclear bastante familiarizada con ellas.

Mi abuelo pasó algún tiempo de su vida como docente de Historia Universal. Él y mi abuela son empedernidos fanáticos de la música y la cultura popular. Mi madre y sus dos hermanos comieron de la nostalgia por la ciencia-ficción setentera y no eran ajenos, en lo absoluto, a elegir el cine como medio de entretenimiento.

Volviendo a mi madre, ella es una comelibros hecha y derecha, también solía ser mi ejemplo a seguir. Así que era inevitable que ella aprovechase mi práctica y mi sed por aprender a leer, acercándome a grandes historias; gracias a ello compenetré mucho con la mitología griega, la Astronomía y la Paleontología (dicho como mi forma de cuatro años, los planetitas y los dinosaurios).

Mi tío mayor y su pareja tienen otro título privilegiado en mi vida: ellos fueron los primeros en llevarme a una sala de cine, justo en el momento en el que éste empezaba a sonar mis campanas. La primera cinta que vi sentada en la butaca fue Batman & Robin quizás en 1997, y la cosa fue alucinante. Ya era fan de muchas cintas, ya había visto la que aún es mi favorita; pero jamás me imaginé que había una forma concreta y sagrada de experimentar el cine.

Pero ahora hablemos de mi tío menor, llamémosle Lex; él era lo más cercano que tuve a un hermano debido a que la diferencia de edades era razonable y su trato conmigo era divertidamente tsundere: por más “desapegado” que intentara ser, más expresaba cariño. Él también era una de las figuras de mi admiración porque era hiperactivamente sociable, creativo, extrovertido y noble.

Lex es con quien pasé mucho más tiempo en casa durante mis años preescolares. Mi madre aún asistía a la Universidad y mi tío mayor estaba por casarse y volar hacia la vida adulta. Volvamos al recuerdo de que yo era una infante que aún estaba lejos de vivir a contrarreloj; mi única responsabilidad era la de asistir al kindergarten, construir una o dos esculturas de plastilina y volver a casa.

La primera noche del survival horror

A lo largo de esas felices tardes luego de la escuela, logré tener el privilegio de acceder a la exclusiva “zona de PlayStation” que alumbró las madrugadas en susurros cómplices para evitar que una versión veinteañera de mi madre pudiera encontrarme entre el cobijo del insomnio adolescente de Lex y Bet. Como podrán imaginar, las noches aguardaban una selección de juegos muy particular.

Desearía poder recordar la fecha exacta en la que ocurrió “el magno suceso”: el día que Resident Evil y yo nos conocimos. Como preludio, sé que esa noche esperaba jugar otro match de Soul Blade o quizás intentar mimetizar correctamente todos los movimientos del Master Onion en PaRappa the Rapper; lo que recibieron mis expectativas fue una decepción, pero la mejor de ellas.

Lex, Bet y yo compartimos un silencio expectante después de colocar un nuevo disco en la consola. Lo primero que recuerdo es esa escalofriante secuencia en la que “un soldado sin nombre” huye de algo que parece atraparle sólo segundos antes de la transición al tittle screen.

Hubo más curiosidad que temor. Y es que desde esos primeros segundos noté una peculiaridad: el soldado era un actor real y eso enredó todos mis cables, era algo completamente nuevo en mi idea de los videojuegos. Lo que desde luego comenzó con una labor hacia la reconcepción.

La segunda peculiaridad fue notada luego de iniciar con un Nuevo Juego: a pesar de que Lex y Bet se miraron entre sí con una determinación heroica, sólo uno de los dos tomó el control. ¿Qué estaba pasando? ¿No se suponía que los videojuegos eran experiencias conjuntas? Simplemente no había sentido lo mismo antes o no había cachado que estuve “mal’ desde el principio, porque a pesar de que había jugado algunos otros single player sin darme cuenta, esa primera sensación con el survival horror se sintió única y personal.

Y eso que no había sido yo la que tenía la batuta de la partida.

Claro, llega el momento de la mítica introducción live–action que instantáneamente nos metió en el helado color de las Montañas Arklay; que nos dio la primera impresión de los míticos Alpha de S.T.A.R.S., y que nos guió con ellos hacia la inmensidad de la Mansión Spencer, lugar que no sólo albergó los peores secretos de Umbrella Corporation, sino que fue la primera parada de un maravilloso viaje que continúa 26 años después.

Mi amor por Resident Evil nació ese día. Quizás de forma pequeña y sutil en equivalencia con mi edad y que aún no entendía que la longevidad es también un secreto gradualmente desbloqueable, conforme las experiencias y el conocimiento enriquecen. Pero a pesar de ello, la aventura de esa noche cambió por completo mi percepción de los videojuegos.

Al ser una niña de cuatro años las preguntas de mi mente eran simples, pero hoy mi versión casi treintiañera encuentra mucho sentido en la relación que tenían con mi forma de apreciar el mundo. Eran cosas como: ¿por qué los personajes hablan?, ¿qué demonios están diciendo?, ¿por qué llevan uniformes?, ¿qué son esas criaturas putrefactas que quieren comérselos?, ¿por qué algunas veces hay tanto texto en la pantalla?, ¿qué está pasando?

Había muchas incógnitas mientras mis tíos pasaban por los lugares más icónicos de la Mansión, casi igual de confundidos que yo por cierto, no mintamos.

En una era del gaming en la que adquirir versiones localizadas al español de forma oficial era aún un mito en México, es curioso imaginar que una versión no bilingüe de mí en realidad vio parte de las escenas más legendarias de la franquicia sin entender una sola palabra. Admito que quizás ya dormitaba mientras alguna pasó frente a mí; comprendan a la joven Pami, ya había habido demasiado material de shock para tener la misma energía en su haber.

Cosas que jamás voy a olvidar

Ya les hablé de la brecha que había entre el idioma y yo, así que para entender tuve que apoyarme de otras herramientas: mis ojos y el maravilloso environmental storytelling del juego, que vaya, podemos considerar exitoso si una niña de cuatro años pudo entenderlo limpiamente. Algo que jamás voy a olvidar y que irá conmigo a la tumba es la obsesión que tuve por días con cierto aspecto de Resident Evil: la elección de color para cada habitación de la Mansión.

Mi forma de recordar a Resident Evil y el mapa de la Mansión era el color de las paredes de cada habitación; no me parecía azaroso que los lugares más accesibles como el lobby, el famoso comedor o el doblemente famoso pasillo de los ventanales destruidos por Cerberus fueran serenos, casi pálidos, alumbrados a cegar.

Pero pasando estos sitios, la luz comenzaba a menguar desde habitaciones intermedias en azul rey, café caoba, rojo carmesí, turquesas brillantes y verde lima hasta –en descubrimiento posterior– los grises sin fin de la casa de huéspedes y el Laboratorio.

El lugar que más logró llevarse mi impacto fue aquel pasillo en el piso superior que conecta las vías principales de toda el ala oeste de la Mansión. El paseo por ahí está repleto de zombis, casi de forma injusta; es oscuro en alma pero cuenta con algunas lámparas sutiles que asoman su verdadero color: un espantoso amarillo mostaza que le tira a verde pus, algo que podría representar a la putrefacción.

Juzguen ustedes:

Me pareció horrible, y luego la repulsión se convirtió en pánico cuando ninguno de mis tíos sobrevivió al lugar. Suerte que ambos tenían muy clara la cultura de la Memory Card y su reinicio no rebobinaba demasiado la partida. La mala noticia es que al menos esa noche no fue la elegida para derrotar al pasillo amarillo.

¿Otra mala noticia? Esa fue la última vez que se jugó a Resident Evil en casa, no sé por cuánto tiempo, pero Bet, el legítimo dueño de la consola y el juego, volvió a casa con su PlayStation, y la soledad aburrida comenzó a hacer de las suyas de nuevo. Otra casi injusticia.

¿Cómo se supone que iba a seguir saciando mi curiosidad?, ¿de dónde viene esta maravilla que acabo de conocer? Pensaba en Resident Evil como si hubiera sido esa cita a ciegas que salió bien, esa que prometió volverte a escribir antes de subirse al Uber e ir a casa con las mejillas sonrojadas.

El amor por lo que hay detrás de un videojuego

Hoy no sé a ciencia cierta cómo en el mundo es que pude apaciguar la ausencia de este juego en mi vida. Hubo un largo y tortuoso tiempo de espera para que mi tío volviera con la consola, y aunque así era de pronto, las posibilidades de que volvieran a poner Resident Evil eran bajas, especialmente si consideramos que esa segunda mitad de los noventa trajo una infinidad de nuevos títulos tan divertidos como interesantes. ¿Por qué perderían tiempo en uno solo?

Lo que sí sé es que el recuerdo de la Mansión Spencer y los S.T.A.R.S., más concretamente, Jill Valentine, se convirtieron en una inspiración. Dejé de querer convertirme en una guerrera griega como Sophitia Alexandra y decidí con inocencia que quería ser policía, porque aparentemente usar uniforme y boina como Jill era lo más.

Pero más allá de intentar imitar a mi nuevo ídolo, quería retratarla. Y así fue como empecé a dibujarla de forma imparable, intentando escribir tiras cómicas basadas en ese nuevo aprendizaje hasta terminar cada espacio en blanco de todos los cuadernos u hojas que tenía a la mano.

Bien dicen por ahí que lo que le impacta a uno de niño puede cobrar gran importancia a la hora de definir el sólido de los pilares en su personalidad, para bien y también para mal. Estoy segura de que Resident Evil marcó su propio impacto en más de uno de los aspectos más valiosos de la mía, y poco a poco comenzó a vivir conmigo sin pagar renta.

Los motivos deberían ser obvios en este punto. Como dije antes, mi percepción de los videojuegos se había vuelto “más profunda” de forma casi instantánea; las preguntas que me hice la primera noche sí que comenzaron a tener respuestas que fueron eliminando la idea de que jugar era algo superficial, o un simple pasatiempo.

Lo entendí, vía sentido común puro. Los videojuegos son obras creativas; son el producto de grandes esfuerzos multidisciplinarios, de discusiones, de jornadas largas de trabajo. Ese, el primer día, me juré una fanática no de la serie, sino de las historias que hay detrás de la creación de un videojuego.

¡Tenía sentido! Si el cine también se componía de la participación de un equipo creativo, de maquinaria y de actores que aprendían los guiones que otros escribían ¿por qué los videojuegos no serían algo igual de complejo? Es un poco tierno pensar que Resident Evil era de los pocos que jugueteaban con el amor cinematográfico en ese momento, y que caché de cierto modo el mensaje.

Pero Resident Evil tardó años en volver a mí

¿Qué pasó después, entonces? El destino me bendijo con la alegría de mi propio PlayStation, quizás un año más tarde, en 1997. Mentiría si digo que la espera siguió siendo tortuosa porque la ausencia diaria de videojuegos me mantuvo entretenida con otras cosas importantes (véase, responsabilidades) para la vida, como afianzar mis habilidades de lectura.

Y tampoco puedo asegurar que adquirí mi propia copia de Resident Evil muy rápido, estoy segura de que pasé mucho tiempo entretenida con otras cosas como Tekken 2, Street Fighter EX Plus Alpha, Fighting Force, Tomb Raider y un largo etcétera.

Ahora. Sí, a pesar de que la consola era mía, al poco tiempo comenzó a repetirse el mismo patrón de antes: Lex monopolizaba el tiempo de juego con sus bobos amigos; pero esta vez era un trato no escrito, porque él tenía la edad suficiente como para salir y conseguir nuevos juegos para nuestro deleite, y cuando Bet llegaba a formar parte de la jugada, la variedad se duplicaba.

El mismo Bet, fino en gustos al parecer, fue quien en 1998 apareció con algo que guardó celosamente en las sombras de su chaqueta de mezclilla negra al entrar a mi casa, parecía querer llamar mi atención y mi curiosidad para que yo me acercara a ver qué era lo que estaba ocultando. Así, me atrajo a la zona de PlayStation, donde mi otro tío ya estaba sentado en la cama inferior de la litera expectante a mi reacción. Era Resident Evil 2.

Me sentí en casa, a pesar de que obsesivamente pensé que no quería iniciar con el 2 si llevaba ya algunos años con el compromiso pendiente de terminar el primero. Ese fue mi primer reality check de que las cosas buenas tienen secuelas y que sus lanzamientos no esperan; fue hora de recibir finalmente a la noción del tiempo en mi mente.

A Resident Evil 2 le tomó mucho menos esfuerzo impactarme. Empezó con la portada, un espantoso ojo zombi y una mano larga cual pianista, pálida y arrugada, pero uñas perfectamente afiladas. La criatura aparentemente abría la puerta para llamarte a entrar una vez más en el mundo del survival horror.

En el interior de una caja de CD-ROM peculiar, más gruesa que de costumbre, había dos discos con la cara superior rojiza, cada una correspondiendo a dos personajes que no había visto en la Mansión.

A semejante packaging respondió la emoción esperada. Dejó de importarme la deuda que tenía con su predecesor y decidí ignorar la cultura anti-spoiler que ya me había sido inculcada en casa para conocer a esos dos personajes desconocidos que resultaron ser Leon S. Kennedy y Claire Redfield, la hermana de uno de los S.T.A.R.S. que conocí antes.

Como sabrán a estas alturas y de hecho, como ya he analizado con más madurez en algunos otros textos, Resident Evil 2 no escatimó en acción. Esta vez no iba a ser el código de color en las paredes lo que me ayudaría a entender la situación; lo hizo la destrucción de Raccoon City, las llamas, la cantidad frenética de zombis desde los primeros segundos, las voces de más supervivientes y claro, el eco del susurro en la maravillosa R.P.D., siempre haciendo gala de la elegancia y el misticismo que dejaron sus ayeres como museo de arte.

La riqueza en elementos visuales y narrativos que hay en Resident Evil 2 fue lo que terminó por contagiarme de hambre; por aprender más y ser quien en un futuro no muy lejano fuera la que tomara el control. Importante admitir que ser backseat en esas primeras experiencias no fue una cosa mala, porque me permitía concentrar en lo que más me interesaba: la historia visual.

Resident Evil 2 reafirmó de varios modos que esta iba a ser mi franquicia favorita.

Primero porque al existir ahora una secuela la sed por más iba a perseverar, entendí que la cosa no iba a frenar inmediatamente. Segundo, porque ningún otro juego se sentía tan perfectamente personal como Resident Evil; era la fórmula correcta para las necesidades que no sabía que tenía mi existir.

Y era la libertad de la pesadumbre de tener que esperar a la compañía para jugar videojuegos.

Desde luego que la profundidad de esos sentimientos nunca fue verbalizada por la realidad de mi consciencia, hasta que aprendí a expresarlos y a encontrar sus orígenes. A pesar de los años, de mi experiencia con varios géneros de juegos distintos y de haber presenciado algunas transiciones generacionales, siempre vuelvo a ese rincón de lo personal y la conexión inigualable del survival horror.

Por si se lo preguntaban: sí, no pasó demasiado tiempo para que tomara el control por primera vez en Resident Evil 2 y… ¡claro que fracasé apenas comenzó la partida! Que adaptarse al sistema tridimensional con el D-pad, mientras que se averigua el cómo apuntar al zombi que apenas da unos cinco segundos de ventaja para el escape no es cosa fácil a los cinco o seis años.

Pero por eso es que los videojuegos generan humanos casi inmunes a la frustración. Volví a intentarlo una, y otra, y otra vez hasta que superé mis pequeños objetivos. Fueron tantas veces que hasta memoricé la secuencia inicial.

Resident Evil también invadió mi mundo real por mucho tiempo. Encontraba magia en cosas tan cotidianas como caminar e imaginar el sonido de los pasos de Leon y Claire; abrir puertas era un ritual; encontrar “ítems” en mis cajones. Incluso me parecía relevante el reportar mis vivencias en diarios y fui perfeccionando la narrativa en ellos; a tal grado de que continúa siendo una práctica común en mi actualidad.

Resident Evil y Resident Evil 2 son el candado dorado del cariño que siento hacia Lex y Bet, aquel par de adolescentes que no tenían idea alguna de cómo algo tan “simple” como compartir ese tiempo, iba a resultar en algo tan grande y preciado en la vida de su sobrina.

Kudos extra para ellos, que nunca subestimaron mi juventud y jamás desconectaron el control al dármelo; que en casa probaron mis agallas fingiendo ser Lickers y zombis en actuaciones dignas del Óscar (se divertían con mi reacción, pero qué recuerdos) y que, de hecho, también me introdujeron a la maravilla de Dino Crisis posteriormente.

La participación de mis tíos concluyó apenas alcanzaron la mayoría de edad y replantearon sus prioridades hacia una vida “menos gamer” y más social. Pero su empuje fue clave para despertar mi interés en varias de las múltiples publicaciones impresas en el mercado que se especializaban en videojuegos.

Las revistas, asumo que al igual que a muchos de han llegado hasta aquí, fueron esas fieles aliadas. No sólo porque los tips y trucos a todos nos caían de lujo, sino porque daban el dato curioso; nos enseñaban el rostro de los creativos detrás del juegazo y porque a veces explicaban esos trozos de historia que la brecha del lenguaje no nos dejaba entender aún de forma directa.

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Lo que viene después de ese momento es una ramificación de historias interesantes. Algunas de ellas hablan sobre cómo Resident Evil me acompañó en ciertas formaciones que se convirtieron en algo relevante para mi salud mental, mis vínculos sociales más importantes y hasta mi vida profesional.

Quizás algún día, de forma ocasional, traiga alguna de estas viejas anécdotas conmigo, para seguir celebrando sólo una de millones de historias que han traído estos 26 años.

El cargo Arklay Stories: ¿Cómo me volví una fan de Resident Evil? apareció primero en That Arklay Place.

A diferencia de la mayoría de franquicias del género de zombis, Capcom ha mantenido a la ciencia y científicos como elementos centrales de Resident Evil. Esto permite que se nos entregue, además de monstruos o armas bio-orgánicas (B.O.W., por sus siglas en inglés) aterradoras, a científicos como Spencer, Birkin o Mother Miranda, brillantes pero corrompidos por sus metas, sean económicas, eugenésicas o personales.

Como casi cualquier ficción, los responsables de dichas creaciones cometen algunos errores que un investigador serio no debería: fallas en su planeación, hipótesis y conclusiones basadas en sus deseos y no lo que muestran las evidencias y los resultados, experimentos que parecen aleatorios, etcétera.

Por más que no deberían, estos errores sí llegan a ser cometidos en la vida real, pero es raro encontrar tantos fallos en un solo científico. Y cuando es así suele haber intención, dinero o ambos de por medio, como en el caso de Andrew Wakefield y su estudio ligando una vacuna con el autismo.

Sin embargo, en el caso de Miranda podemos ver estos y muchos más, lo cual hace dudar de sus cualidades como investigadora.

Un solo objetivo en mente

Cuando se plantea un proyecto a una autoridad (quien lo financiará y/o autorizará) entre lo que debemos mostrar están los resultados esperados. Es decir, no es tan fácil como llegar a pedir dinero porque se te ocurrió hacer algo que en tu mente suena interesante y a ver qué sale. 

Un proyecto científico debe tener un objetivo; estar justificado en trabajos o conocimientos previos; tener hipótesis (qué esperas obtener a partir de tus experimentos); un método experimental bien establecido, suficientemente maleable para hacer ajustes; un presupuesto; proyecciones de tiempo; y entregas periódicas de resultados, mismos que pueden ir cambiando la dirección, hipótesis y demás del proyecto.

Perseguir un resultado en concreto es debatible, algunos científicos lo consideran como una motivación; los resultados negativos los estimulan a pensar fuera de lo convencional (pero dentro de lo ético), lo que incluso los lleva a descubrir cosas nuevas. Pero también, otros científicos consideran sumamente imprudente el seguir cazando un resultado a pesar de los resultados negativos; criticando a los primeros por cerrarse solo a lo que quieren obtener mientras gastan recursos en algo que probablemente no sea factible.

Si lo analizan, todo el proyecto del virus Progenitor se basa en el primer enfoque. Los fundadores de Umbrella vieron al virus como la forma en la que llevarían a cabo sus objetivos eugenésicos y de desarrollo de B.O.W.’s. Aunque este siempre fue el fin, los métodos experimentales y las hipótesis, los tiempos y presupuestos, fueron cambiando conforme los resultados que se obtenían. Ahí, ellos, muy bien.

Pero Miranda gastó miles de horas; una enorme cantidad de recursos y vidas humanas en experimentos sin rumbo; ignorando resultados; sin responder ante nadie, con el único (y egoísta) objetivo de revivir a su hija. 

Por sus… hongos tiene que salir

Mother Miranda parte de un objetivo muy concreto, al igual que Umbrella. Pero a diferencia de ellos, Miranda ignoraba todos los indicios de problemas; un resultado, por más positivo o negativo que fuera, prácticamente no cambiaba sus métodos; los mismos que repitió sin importar que estuviera en un callejón sin salida. 

La obsesión de encontrar un huésped para Eva, la llevó al extremo de usar a cualquiera, sin importar salud física y emocional, edad o sexo. Los resultados no justificaban seguir por esa ruta, pero seguía.

Desde la invención del Cadou, que a su vez es bastante extraña la decisión de usar nemátodos como vehículo del Megamycete, podemos decir que su avance fue casi nulo. De hecho, algunos de los experimentos más interesantes y con resultados más variados vinieron de parte de los Lords y de The Connections. Estos últimos fueron quienes, como tal, se acercaron más al objetivo de Miranda.

La única decisión sabia que tuvo la antagonista fue la de compartir su “investigación” con terceros. Ocasionalmente, cuando un investigador se bloquea durante un proyecto, sea por recursos o por ideas – como en el caso de MoMi -, una perspectiva externa y fresca, o bien la colaboración con colegas, puede ser una solución beneficiosa para todos. Claro, siempre y cuando esté dispuesto a escuchar críticas de su trabajo hasta el momento o compartir créditos (no todos lo están, el ego pesa bastante).

Pequeños cambios, grandes diferencias

Si bien cualquier corrección a los métodos de Mother Miranda prácticamente cambian toda la historia y ambientación de Resident Evil Village, creo que pudieron haberse dado ciertos cambios a nivel científico/narrativo para hacer de Miranda una investigadora mucho más seria y, como mencioné en el Virology del Megamycete, hacer las B.O.W.s del juego creaciones mejor justificadas.

El primer gran cambio es que al (Deus ex fungi) Megamycete se le quitara cualquier rastro de sapiencia, es decir, el hongo no debía ser más que eso. Podemos dejar la parte de almacenamiento de información (de tal forma que Miranda se pusiera como objetivo revivir a su hija) pero que fuera la fuerza de voluntad de MoMi la que le permitiera usar las capacidades del hongo.

Segundo, que los sujetos de experimentación no fueran personas aleatorias – hombres, mujeres, enfermos, etc. – sino niñas de la edad que tenía Eva cuando falleció, haciendo la transición tras “revivir” mucho más sencilla.

En tercera, que el Cadou fuera hecho de algo más cercano a los humanos, no una mezcla de nemátodos y del Megamycete. Un feto, o una masa celular derivada de Eva junto con el hongo hubieran sido mejores marcos para el Cadou que la copia pirata del NE-α.

Esto se explicaría diciendo que el Cadou intentaría infectar a los sujetos de experimentación buscando que Eva tomara el control. Los primeros intentos fracasarían, pero tras años de ajustes, los resultados, aunque negativos, serían más prometedores. Los primeros sujetos de experimentación podrían ser las hijas de la servidumbre de la casa Dimitrescu, que terminarían convertidas en Moraice.

Siguiendo el método científico

El primer gran éxito vendría con Alcina Dimitrescu que, aunque enferma, no tenía nada qué perder si el resultado era negativo. Sin embargo, a pesar de mejorarla en prácticamente todos los sentidos, tanto la prevalencia de su enfermedad hematológica como no adoptar la personalidad de Eva serían considerados un fracaso. 

Donna sería el siguiente sujeto a experimentar, sana a nivel físico pero con problemas emocionales que claramente afectaron cómo se manifestó el hongo. Los resultados de “compartir” su Cadou con Angie, llevaría a Miranda plantearse combinar el Cadou con otro tipo de células para formar su marco y usar sujetos de experimentación variados. Esto sin la intención de migrar como tal a Eva, sino de ver el potencial del Cadou.

De este nuevo enfoque con el Cadou 2.0, usando células de animales como marco, resultarían Moreau como el primer experimento prácticamente fallido; los Lycans, como resultados prometedores y protectores de la Villa; y finalmente Heisenberg, el mayor éxito hasta el momento. 

Colaboración de terceros

Siendo el rechazado y buscando la aprobación del grupo, Moreau experimentaría sobre los Lycans, obteniendo a los Vârcolac. Esto abriría las puertas a los Lords de hacer modificaciones al Cadou para contribuir al éxito de su matriarca, creando así a los enemigos que vemos en cada zona. 

Durante los siguientes años Miranda trataría de obtener toda la información posible de Heisenberg por medio de tomas de muestra, experimentos y demás. Ello causaría su odio y deseos de derrocarla, ya que todo el sufrimiento que pasó fue en vano; tras años de modificaciones y pruebas con el Cadou 1, Eva no estaría más cerca de revivir.

Este sería el callejón sin salida para MoMi, a pesar de diversificar los experimentos basándose en los resultados (con ciertos éxitos pero nunca la meta), y nuevas ideas por parte de los Lords, no podía conseguir su objetivo inicial. 

Aquí es cuando entran The Connections, quienes con una nueva perspectiva y diferente tecnología se acercan a lo que pretendía Miranda. El fracaso de Eveline, pero el nacimiento de Rose, ofrecen un nuevo y prometedor sujeto de experimentación. De aquí en adelante, prácticamente todo quedaría igual que en el juego (excepto la parte de partir en cachitos a Rose, nunca entendí eso).

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El enorme potencial que tenía Mother Miranda como la científica que inspiró a Oswell Spencer fue desperdiciado al hacerla una investigadora tan mala. Si los desarrolladores hubieran dado el tratamiento que tuvieron los fundadores de Umbrella, pudieron haberla hecho, como científica, una de los mejores de la franquicia. 

Eso sí, no me malinterpreten, es una villana que de manera justificada se ha ganado el corazón de muchos fanáticos, simplemente pudo haber sido mejor. Mucho mejor.

Aunque este Virology haya sido más de narrativa que de ciencia, espero hayan aprendido algo, como la importancia que tiene la colaboración en la ciencia. Digo, The Connections no sabía cómo funcionaba Eveline, pero al menos casi logran llegar a la meta.

¿Ustedes qué opinan, la antagonista del juego quedó a deber bajo esta nueva luz?

El cargo Virology | Mother Miranda, la científica más dispersa de Resident Evil apareció primero en That Arklay Place.

Cuando hablamos del Mold (ahora Megamycete) dejé establecido que, con pequeños cambios, el equipo de Resident Evil 7 hubiera podido justificar científicamente muy bien sus más recientes armas bio-orgánicas (B.O.W., por sus siglas en inglés). También dije que, dados los cambios en retroactivo a diversos elementos de la franquicia, tanto en secuelas como remakes, Resident Evil Village sería el escenario perfecto para modificar las E-Type y darles un contexto científico adecuado.

Pobre iluso.

Aunque no era una esperanza injustificada. Resident Evil Village parecía inclinarse por lo sobrenatural con su temática de terrores góticos –es decir vampiros, hombres lobos y tritones– sin embargo, muchos de estos elementos fueron justificados por medios científicos dentro del juego, algo que aplaudo. El Megamycete fue un caso aparte.

En su lugar Capcom tomó al Mold, le metió esteroides narrativos y lo convirtió en un Deus ex machina que justificaba cualquier cosa que la historia requiriera. En este Virology hablaré de mi descontento con esta parte del juego, aunque trataré de hablar de las bases científicas de ciertas decisiones.

Supercomputadora/hongo/pozo de Lázaro

Algo de lo que más me intriga respecto al Megamycete fue cómo los equipos de desarrollo decidieron las características que debía tener el hongo.

Es decir, en RE7, por medio de esporas, Eveline podía infectar, provocar alucinaciones, eliminar el libre albedrío y obligar a sus víctimas a secuestrar y matar gente. No solo eso, sino que además los menos afortunados se convertían en Molded, monstruos grotescos completamente invadidos por el hongo. Pero también, parecía, la conciencia de los infectados se mantenía relativamente intacta y conectada entre ellos, aunque incapaz de escapar de su control.

En Village esto se confirmaba cuando descubrimos que el Megamycete absorbía la consciencia de quienes consumía, la almacenaba y hasta podía transferirla a voluntad junto con la información contenida en ella.

El hongo era una supercomputadora que se conectaba con todos con quienes tuviera contacto, almacenaba información, era capaz de planear, usar personas, mutarlas, dar y quitar poderes, revivir gente. Es decir, ¿hay algo de lo que no sea capaz?

Tal vez la característica del Megamycete con cierta justificación científica es la de comunicación. De hecho, considero esta parte como la única que cambia en retroactivo un problema del Mold, que usaba el quorum sensing para explicar la comunicación entre Eveline y sus infectados, justificación carente de sentido, como mencioné en su momento.

Virology | Eveline, Mold y cómo no imitar a The Last of Us

Wood Wide Web, información mediada por hongos

Buscando justificar lo injustificable, encontré que en micología (el estudio de los hongos) y en botánica hay algo conocido como la Wood Wide Web (un obvio guiño a la World Wide Web), una red en la que los hongos conectan a y con plantas vecinas.

La complejidad de las relaciones entre hongos y plantas es difícil de estudiar, y se siguen descubriendo cosas, pero a la vez es relativamente sencilla de entender, al menos en términos generales.

Explico: Cuando caminas por el bosque y te encuentras con un champiñón (por poner un ejemplo), en realidad estás viendo solo una pequeña parte del hongo, debajo de la superficie hay una red inmensa de hifas, que se extienden más allá de su cuerpo fructífero. Si los comparáramos con plantas, las hifas serían el tallo y las raíces, mientras que el cuerpo fructífero sería la flor (sí, un champiñón sería solo eso).

Estas hifas son capaces de establecer relaciones de beneficio mutuo con diversas plantas a su alrededor, pero no solo eso, también son capaces de conectar a dichos vecinos, mediando el intercambio de nutrientes, hormonas y otras sustancias entre ellos. De tal forma, el bosque forma una comunidad –con cooperación, competencia y parásitos– conectada gracias a las hifas de los hongos.

Semejante a lo hecho en la Wood Wide Web, tanto Eveline como Mother Miranda estaban conectadas y se beneficiaban de las conexiones que se establecían por medio del hongo, lo cual justifica mucho mejor tanto los eventos de Village como de RE7. Pero, así como inicia, también aquí acaba la certeza científica.

Deus ex fungi

La ficción entra de lleno y sin medida después de esto, maximizada con el Cadou.

Resident Evil se ha caracterizado por darle a sus B.O.W.s efectos similares ante situaciones similares, es decir, la infección del T-virus provoca un efecto que es consistente en humanos, pero diferente al provocado en arañas u otros organismos.

Sin embargo, con el Cadou los efectos cambian de huésped en huésped (siempre que la historia lo necesite) como fue con los Lords y las hijas de Alcina Dimitrescu, otorgándoles poderes únicos a cada uno. La explicación es su compatibilidad con el Cadou, si lo eran entonces les otorgaba características únicas, si no lo eran entonces se transformaban en Lycans.

Que recuerde, jamás se toman la molestia de explicarnos cuál era la base de la compatibilidad, la única “justificación” era la “nobleza” de los Lords; los Lycans son gente del pueblo. El Cadou además es elitista.

Además, gracias al Megamycete y/o el Cadou, los Lords podían conseguir diferentes resultados temáticos (porque cómo no hacerlo así) particulares de cada área: las Moraice y las Samce con Dimitrescu, las plantas alucinógenas y Angie con Beneviento y los Haulers y Soldaten con Heisenberg. La flexibilidad del hongo es asombrosa… y no se detiene ahí.

Bebé Mold-eada

Cómo y por qué Ethan y Mia se convierten en Molded “humanos” es otro misterio sin resolver que se da por las infinitas capacidades del Megamycete. No solo eso, además tienen una hija que al final de Village ¿se convierte en el avatar ideal del hongo? Es decir, ¿qué es Rose? ¿El hongo la creó intencionalmente y los eventos del juego solo eran el hongo atrayendo a los Winters para transferirse a la bebé en un ritual bastante inconsecuente? ¿Los involucrados tenían voluntad propia y el hongo no influía sobre ellos?

¿Rose es un individuo como tal o es el Megamycete en forma humana? ¿Rose era el objetivo del hongo o de Miranda? ¿Qué poderes tiene Rose?, ¿podrá volar?

Sé que en este punto ya estoy usando el sarcasmo con un poco de exceso, pero es que de verdad me parece que la falta de límites que le dieron al Mold en Village destruye por completo cualquier lógica.

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En su momento me decepcionó lo mal justificado y explicado del Mold, aunque entendía que a nivel narrativo el equipo de desarrollo quería alejarse de fórmulas previas, si bien manteniendo cierta consistencia a nivel, sobre todo, de enemigos.

Lo hecho con la “misma” B.O.W. en Village, a mi parecer, raya lo ridículo. Y es una lástima, porque en muchos aspectos este juego es sumamente hermoso, pero esto de “justificar” y “explicar” cualquier cosa que la historia necesite por medio del hongo es bastante malo.

Como bien sabemos, los deus ex machina suelen sentirse tramposos y como los aspectos más flojos de una historia, y el Megamycete vaya que se siente así.

¿Pudieron evitarlo? A mi parecer sí, como explicaré en otro Virology dedicado a Mother Miranda, creo que el Megamycete y el Cadou pudieron tener cambios que le quitarían muchas propiedades, pero a su vez ayudarían tanto a la narrativa como a hacer a Miranda una mejor científica, porque (spoiler alert) es una de las más malas en toda la franquicia.

Gracias por leer mis corajes, y aunque poco, espero también hayan aprendido algo.

Nos leemos en el siguiente Virology.

Fuente: 1

El cargo Virology | Megamycete: Deus ex fungi apareció primero en That Arklay Place.

El verano de 1996, Japón nos invitaría a experimentar el terror desde el ángulo del novedoso género survival horror con el lanzamiento de Biohazard (Japón) o Resident Evil, acá en nuestras tierras del occidente. 

Esta jugada de Capcom nos sumergió a los jugadores en un universo tan intrigante como violento, donde los muertos caminan despedazándose con cada paso y están listos para arrancarte un pedazo de carne con una mordida. Recuerdo estar absorta ante la pantalla, viendo a mis primos y hermana mayores jugar.

Con traducciones a medias y pura interpretación del contexto, fui aprendiendo sobre los misteriosos asesinatos en el bosque de Arklay, develando los misterios de la mansión Spencer y descubriendo la corrupción y experimentación genética de la farmacéutica Umbrella Corporation. 

Mi cerebro de niña de 9 años, justo como la mancha de sangre en el Main Hall —que esperamos no sea de Chris—, quedó esparcido en toda la pared desde la primera vez que lo jugué. Y aunque podría hablar de un montón de cosas alrededor de Resident Evil, me enfocaré en uno de sus icónicos personajes: Jill Valentine. 

Es difícil mantener la unidad de un personaje en el back and forth de una serie que tiene 25 años viva. Los veteranos se arrancan las pestañas con Resident Evil 3 –de 2020– mientras que todos los newcomers se han enamorado de Jill, del mismo modo que lo hicimos en 1999. 

Números o palabras. Main installments y spin offs 

Las espeluznantes aventuras que vivimos en la mansión Spencer y nuestro primer encuentro con la podredumbre en Raccoon City le permitieron a Capcom crear un universo explorable, tras haber consolidado una base de fans y un público amante del survival horror. 

Hasta 1999, Capcom había presentado la mente siniestra de Umbrella a través de los ojos de Jill y Chris, así como la repercusión de sus retorcidos experimentos en las calles de una ciudad convertida en un campo de guerra y muerte.

Cuando Capcom reunió de nuevo a su equipo para desarrollar la próxima entrega de la saga, nació el proyecto Resident Evil: Nemesis, pensado originalmente como un spin-off que, por decisiones creativas y estratégicas durante la producción, terminó como el sucesor del mítico Resident Evil 2. 

Aunque parece una decisión nimia, el número acuñado después de las palabras Resident Evil indican que hay una cronología, una pieza clave de la imagen más grande que todavía no podemos ver.

Nemesis planteaba un juego enfocado en la acción y el escape, protagonizada por nuestros expendable assets favoritos: los miembros de la U.B.C.S. Al tratarse de un spin-off una entiende entonces por qué el juego tenía un aire apresurado, con las cinemáticas y gameplay desenvolviéndose en una historia que se siente acechante y a contrarreloj.

Caray, como para enfatizar la idea del tictoc incesante del pasar del tiempo incluso tenemos la icónica postal de la Torre del Reloj en la Raccoon City de 1999. It was always a race against time.

Para upgradear el título de la próxima entrega, Capcom debía repetir la jugada ganadora que Noboru Sugimura, el escritor de RE2, identificó como uno de los elementos esenciales para que dicho juego fuera un éxito: el nuevo cast debía tener una conexión, una secuencia lógica en el desarrollo del lore y de la historia.

De la misma manera que un número sigue de otro al contar: a través de Claire Redfield, la adolescente de 19 años que llegaba cruzando la carretera de noche montando una Harley Davidson y que en tres escenas se encontraba sumergida en una pesadilla, nos conectamos con Chris Redfield, quien presenció en carne propia el incidente en la mansión Spencer.

Y el lore se expandió al traer a las garras de la manipulación biogenética a otro civil más que, en películas y otros spin-offs, regresaría para contar un pedazo del universo de RE. 

Sin embargo, la decisión de transformar el juego en medio de la producción significó replantear una pieza elemental para que nuestra travesía tuviese un significado más profundo. Y también llegó cuando el juego se encontraba en etapas adelantadas, así que el tablero de juego ya estaba definido, y había que encontrar a alguien que pudiera hacer par con el equipo élite de limpieza de Umbrella. 

Supongo que debió ser casi automática la decisión de regresar a los miembros de S.T.A.R.S.… o lo que quedó de ellos.

Con la mayoría de los equipos Bravo y Alpha fallecidos tras los incidentes en Arklay y algunos de los pocos sobrevivientes fuera de Raccoon City, entiendo la decisión del equipo creativo de Capcom. Si Chris ya se encontraba en Europa, indagan do más en el caso de Umbrella, ¿por qué no contar el último escape desde la perspectiva desde la también protagonista Jill Valentine?

Una de los dos personajes jugables en Resident Evil –1996–, subjetivamente mi personaje favorita, tuvo un regreso casi incidental en el main storyline de la saga. Y en qué entrega, caray.

Al agregar a Jill como su elemento de conexión, el background vino junto a ella y sería junto al Nemesis, una de las caras emblemáticas de Resident Evil 3. El cast alrededor de ella trajo una pieza más al rompecabezas que veníamos siguiendo desde tan cerca. 

Insisto en que RE3 es una carrera contrarreloj: no solo nuestra agente de S.T.A.R.S. debía salir de Raccoon City antes de su destrucción inminente, sino que también el equipo de producción tuvo que incluir un arco narrativo al juego más tipo shooter que tenían pensado.

Pobres ellos, que el crunching es un tema serio, amigos, pero qué golazo para la fanbase: Jill Valentine volvía a mostrarnos una parte de su lucha contra Umbrella Corporation y su desarrollo de armas biorgánicas, que comenzó apenas meses antes; una noche de luna llena en las boscosas montañas de Arklay.

The Master of Unlocking

La primera entrega de Resident Evil fue tanto un éxito comercial para Capcom como una de las más profundas historias de terror, marcando un hito en la industria de los videojuegos. Hablando desde mi área de especialidad, que es el storytelling de videojuegos, los diálogos se sienten ahora un poco sosos pero bien intencionados, y la riqueza del universo se trazó desde las varias notas que encontrábamos esparcidas explorando las innumerables habitaciones y pasillos de la mansión Spencer. 

En términos de representación femenina, Jill Valentine se sumó a una creciente alineación de mujeres en la industria —pienso en Samus Aran y Lara Croft, entre otras— y dentro de la saga de Resident Evil, sería una de las icónicas miembros de S.T.A.R.S., además de la joven Rebecca Chambers (quien tendría su oportunidad de ser explorada con más profundidad en Resident Evil Zero). 

Proveniente de las Fuerzas Especiales Delta, Jill trajo al equipo Alpha de los S.T.A.R.S. una maestra en cerraduras y explosivos; además de casi convertirse en un sándwich. El RE de 1996 fue la base para uno de los juegos que considero una obra maestra del survival horror: el REmake de 2002. 

Desde la primera vez que exploramos la mansión de Spencer en el corazón de Arklay, Jill es uno de los personajes que están en el corazón del evento 0, y del origen del desmantelamiento de Umbrella tras su fachada de farmacéutica, cuyos fundadores, las mentes maestras, operaban desde las sombras unidos por su motivación eugenética, aún si cada uno persiguiera su propia agenda.

Estas sombras detrás del paraguas rojiblanco, absortos en el estudio de la vida con afanes grandilocuentes de mejorarla y preservarla, cruzaban la moral científica para experimentar con armas especializadas, cuya historia desmenuzamos en este artículo. 

A través de Jill exploramos la profundidad de la podredumbre y decaimiento moral en la mansión Spencer, las guerras de poder interno entre las mentes científicas de Umbrella y el retorcido plan que Oswell E. Spencer llevó a cabo en la intrincada mansión.

Además de adentrarse en las sombras, Jill Valentine tuvo a una en particular observándola cerca, un brillante científico y agente: Albert Wesker, el titiretero de los sucesos en aquel sitio perdido en Arklay; y un hombre con una misión clara en la que no importan los métodos por los cuales obtener los medios.

La postura de Wesker es clara: él comparte la visión del perfeccionamiento humano a través de la manipulación genética y… ¿por qué no? Posicionándose en el mercado de las armas biorgánicas de usos militares. Este primer punto de contacto entre Wesker y Jill es crucial en la intrincada historia que tienen alrededor del t-Virus y que evolucionaría en el transcurso de la saga.

Al familiarizarnos con los diarios, simpatizamos con la muerte lenta y solitaria de los Trevor, de la locura de Umbrella Corporation, y la frialdad de Wesker. El shock para los sobrevivientes fue variado, pero unido por un hilo conductor: el miedo de volver a enfrentar aquella noche de pesadilla. 

Pero para Jill Valentine, estar en el origen del incidente en aquel lugar de Arklay no solo significó quedar atrapada como Lisa en una laberíntica lucha contra el bioterrorismo; sino que ella misma terminó por convertirse en aquello contra la que luchaba: un arma biorgánica. Una transformación que comenzaría tras los incidentes del 28 de septiembre de 1998: su infección y sobrevivencia a la infección del t-Virus. 

The Last Escape

En un salto hacia delante, me resulta curioso pensar que en Resident Evil 3, ella es la única infectada por el t-Virus que logra recibir una vacuna para contrarrestar la infección y salir de la ciudad a tiempo para contarlo. Entre miles de infectados en la ciudad, tan solo ella tendría el acceso a la vacuna, lo que va muy en la línea con los principios de la eugenesia y su agenda. 

El discurso grandilocuente de varios de los enemigos en Resident Evil habla de una selección desde un delirio de grandeza compartido por sus fundadores; los genocidios no son problema, pues los individuos verdaderamente fuertes saldrán airosos por sus rasgos genéticos mejorados, sin importar mucho los medios o la manera en que sucedan estas mejorías.

El 28 de septiembre, Jill se vio enfrascada en una contienda contra el tiempo, contando la mayoría de los factores en su contra: el afán de Nikolai Zinoviev por obtener información valiosa sobre el uso de B.O.W.s en medio de una ciudad sumergida en un estado de caos, abundante en potenciales explosivos, plagada de zombis y demás mutantes.

Nikolai orquestó los encuentros con Nemesis para obtener información –de uso bélico– sobre la data de su desempeño en la batalla. Incluso hemos explorado la posibilidad de que fuese el mismísimo Albert Wesker aquel enigmático cliente del soldado ruso de élite. Jill se mantiene cercana al virus desde que los laboratorios de Arklay esparcieron el virus. 

Es un one-on-one directo, una prueba de fuego para el último miembro del equipo S.T.A.R.S. con vida y aún dentro de Raccoon City. Lo que me lleva a pensar en lo maravilloso (o más bien mindblowing) que fue regresar a Jill Valentine como lead de una entrega. 

Dubitativa y evidentemente desconcertada ante lo que encontró en la mansión Spencer, en la tercera entrega incluso el gameplay nos permitía esquivar ataques y tacklear como medio de autodefensa, lo cual aportó al personaje cierta sensación de empoderamiento, además de “legitimidad” a la entrega. Así lo declaró el director del juego, Kazuhiro Aoyama, al respecto de la decisión de incluir a Jill como lead de la narrativa de la tercera, e inesperadamente oficial, entrega. 

La Jill Valentine de 1999 sentó el camino perfecto para su versión localizada a las épocas modernas en el Remake de 2020. La escritura del personaje, el control desde de la cámara sobre el hombro (¡gracias, RE4! ♡) y la optimización del audiovisual nos llevó dentro de una ciudad decadente y el frenético escape de los últimos sobrevivientes. 

Vickers adquiere un sabor agridulce cuando fuimos capaces de presenciar su amistad, además de sumar a la sensación de “cacería” bajo la que estaba el equipo S.T.A.R.S. después del incidente en Arklay, con Chris y Barry incluso dejando la ciudad. Tras ser mordido por un zombi mientras escapa con Jill, ella queda de pie como la última S.T.A.R.S. en Raccoon City. 

El último escape tampoco fue fácil. A veces ser el oponente de un enemigo increíblemente letal y salir con vida puede ser un grillete que se aprieta más y más después de cada encuentro.

Con Nikolai procurando más encuentros para recabar información sobre el desempeño del Nemesis, la información se hace aún más valiosa cuando, aprovechando su posición aventajada —que me recuerda a la misma posición de Ada Wong— finalmente sucede el evento crucial en la Torre del Reloj: Nemesis logra infectar a Jill. 

Y mientras Jill se encontraba luchando contra la infección, volveríamos a la piel de Carlos Oliveira para desarrollar la vacuna y salvarla. Acción que de manera inmediata, previno que Jill sucumbiera ante una mutación —o quizá a hospedar el virus—… pero que, lentamente y desde las sombras, también marcaría el comienzo de su herencia como arma biogenética —los sucesos de Resident Evil 5—.

Albert Wesker lo dejó en claro en la quinta entrega de la saga, una obsesión repetitiva de la grandilocuencia enfermiza de las mentes detrás de la exploración biogenética. 

Those fit for survival: la eugenesia en acción

“Sólo aquellos con un ADN superior serán elegidos por el Uroboros. Sólo aquellos listos para sobrevivir serán quiénes tengan el privilegio de llevar sus genes a una nueva era.”

Albert Wesker

Siempre fue una cuestión de hacer una limpieza en la sobrepoblación humana. Solo aquellos aptos para sobrevivir podrían ser parte de la nueva era. En el lore de la saga, los acercamientos al perfeccionamiento de los múltiples virus que se desarrollan después de las primeras investigaciones de Spencer con el Virus Progenitor, fueron a menudo las seleccionadas de este autonombrado proceso de eugenesia. 

Pensemos en la herencia de Alexia Ashford: “hija” a través de manipulación genética de la condesa Veronica Ashford; Alex Wesker, la brillante científica y una de las jóvenes mentes que fueron parte del Proyecto W; o quizá incluso Miranda, desafiando a la muerte misma para traer a su hija de vuelta a la vida.

En medio de su intencionada búsqueda, desde sus bastiones de poder, crearon los vehículos víricos para discriminar entre los individuos aptos de los no aptos para su selección de la especie humana. Y el proceso de selección no tardaría en ponerse en marcha, al elegir entre una serie de especímenes… incidentales, pero aptos.

Retomemos a Lisa Trevor: una de las primeras sujetos de investigación femeninas de las que tengamos conocimiento y cuyo único pecado para heredar esta suerte fue el haber estado en el momento equivocado, y en el lugar equivocado.

Claro que Lisa no era alguien aleatorio en el gran esquema de los planes de Spencer: la hija de la mente maestra detrás de los retorcidos acertijos y trampas mortales en la mansión. Padre e hija deambularían hasta la muerte entre sus muros, ella en particular sufriendo los efectos secundarios de la experimentación biogenética sobre ella.

Ahora inmersos en el entramado complejo de tuberías de Raccoon City, el monstruo en el que se convirtió William tras inyectarse una dosis de su propio virus, en un desesperado intento de salvaguardar la investigación de su vida, forjó el destino de Sherry Birkin como la “heredera” genética del virus: alojando un huésped –¿maldito?– que en última instancia infecta al hospedero. 

Mientras develábamos la historia, se dejó en claro que no cualquiera podía ser un huésped adecuado: Sherry Birkin, Brian Irons y Ben Bertulocci alojaron al embrión de G; la primera siendo la única capaz de adaptar su organismo a la infección con G del embrión, mientras que los segundos tuvieron un destino más sangriento al no adaptar sus cuerpos a la infección.

William Birkin, autor detrás de la versión G del virus, usaría a su propia hija como una incubadora, para alojar, potenciar y reproducir su legado. Desafortunadamente para William, o más bien la mutación G-Birkin que alguna vez fue Willian, Sherry es una niña independiente que, a pesar de tener las de perder en una ciudad infestada de zombis, podría poner un alto a los instintos de preservación de G-Birkin con la ayuda de Claire Redfield. 

En términos poéticos quizá la “infección” de Jill comenzó con el horror que sobrevivió en la mansión junto a sus camaradas, elemento de la psique del personaje que el Remake de 2020 capturó a la perfección con las alucinaciones/pesadillas de verse a sí misma convertida en zombi.

Al desmayarse tras el ataque de Nemesis en la Torre del Reloj la pesadilla se volvió a lo real, a lo tangible: Jill Valentine se unió a la exclusiva línea de especímenes incidentales. 

Mientras se sumergía en una lucha declarada contra los ataques bioterroristas alrededor del globo, tras fundar la B.S.A.A. junto a su viejo colega Chris Redfield, su cuerpo mismo gestaba el poder de un virus que había sido adaptado a su cuerpo, en un estado de aparente latencia… para convertirla a ella misma en un arma biorgánica, en proceso de rehabilitación. 

Como una de las primeras en aventurarse en los terrores de la experimentación genética llevados a cabo por las mentes maestras detrás de Umbrella, además de ser juez y parte de esta experimentación, es innegable que Jill es una pieza determinante en la franquicia.

Lo cual nos deja en este momento de la historia de Resident Evil y me lleva a preguntarme ¿cuándo, cómo, será que podríamos ver su regreso en la saga?

El cargo Jill Valentine: From S.T.A.R.S. to shadows apareció primero en That Arklay Place.